Boris Smelov – un photographe à la réputation irréprochable

Le légendaire photographe de Saint-Pétersbourg Boris Smelov est un sujet d’intérêt pour les historiens de l’art, les critiques, les théoriciens, les historiens et les amateurs de photographie. En 2009, l’Ermitage a organisé la plus grande exposition de ses photographies. Personne n’est épargné par la mention du Petit-Boris. Pourquoi? Nous avons tenté de répondre à cette question en citant une variété de points de vue, de mémoires et de citations de Boris Smelov lui-même.

Autoportrait. 1997

De son vivant, le photographe Boris Smelov est devenu une légende de la photographie à Saint-Pétersbourg.

– Vous voulez le soleil, la lune, l’inondation et la neige dans le même cadre??? Mais c’est la fin du monde?

– Oui.

Extrait de la conversation entre Boris Smelov et Masha Snigirevskaya

Nicholas Bridge. 1995

Arkady Ippolitov

Chercheur principal au sein de l’équipe de l’Europe occidentale

du Musée des Beaux-Arts de l’Ermitage,

Boris Smelov, auteur du concept et commissaire de l’exposition. Rétrospective « 

Musée d’État de l’Ermitage, 20 mars – 28 juin 2009

De son vivant, le photographe Boris Smelov 1951-1998 est devenu une légende de la photographie de Saint-Pétersbourg, un classique vivant, admiré par tous ceux qui sont liés de près ou de loin à l’art de la photographie.

Tout photographe plus ou moins visible de Saint-Pétersbourg aujourd’hui n’a pas échappé à son influence. L’image de Saint-Pétersbourg qu’il crée n’est pas seulement constituée de photographies de haute qualité, mais certainement de la déclaration la plus expressive qui ait été faite sur cette ville à la fin du siècle dernier, une déclaration d’une importance égale à la poésie de Brodsky.

Son œuvre est le phénomène le plus précieux et le plus vivant de la culture de Saint-Pétersbourg des années 70 et 90., lié à Saint-Pétersbourg, dédié à Saint-Pétersbourg et défini par Saint-Pétersbourg, mais en même temps atteignant un niveau international, car ses œuvres sont comparables aux plus hauts exemples de la photographie mondiale.

Le son d’un hautbois. 1972

David Galloway. La Cité des Ombres. La Cité des Larmes

Prof. David Galloway

historien d’art contemporain,

critique d’art ARTnews, International Herald Tribune ,

éditeur de Art in America,

commissaire d’expositions internationales,

auteur et éditeur de nombreux livres d’art

Il est intéressant d’imaginer comment Boris Smelov aurait réagi à la révolution numérique dans le domaine de la photographie, qui commençait à peine à déployer ses ailes sur le monde en 1998, lorsqu’il est mort. D’une part, le photographe a toujours été fasciné par les techniques photographiques, et il a souvent déploré la difficulté d’acquérir les équipements et le matériel les plus récents en Union soviétique, où seules les photographies journalistiques et amateurs étaient officiellement reconnues. Néanmoins, Smelov possédait des appareils photo de premier ordre et imprimait toujours sur du papier photographique de haute qualité. Il était évident pour Smelov que le développement de la technologie entraîne naturellement des changements qualitatifs. Dans une interview publiée en 1988, Smelov exprime l’idée que l’arrivée des appareils automatiques et des nouvelles technologies de développement et d’impression des photographies a élargi « l’éventail de la créativité, et enrichi le style et même la vision du photographe ». Mais il n’était pas enthousiaste à l’idée d’une quelconque innovation : « La possibilité de faire une bonne « carte » sans aucune intelligence ni culture comporte le danger d’abrutir la photographie ». Il n’est pas surprenant qu’il ait anticipé le phénomène que beaucoup ont considéré plus tard comme le revers de la médaille de l’esthétique numérique qui a inondé le marché de l’art à la fin du siècle dernier : sans une vision d’auteur du monde, sans la position humaine de l’artiste, les résultats sont « vides et froids ».

Le mot clé dans les réflexions de Smelov sur la photographie est toujours « culture ». Lorsqu’on lui demande quelle devrait être la formation idéale d’un photographe, il répond qu’il lui serait plus utile d’avoir une formation en arts libéraux plutôt qu’une formation technique – philosophique, psychologique, histoire de l’art. Bien que, selon beaucoup, « les images parlent plus fort que les mots », il convient de noter que parmi les sujets importants pour le futur photographe, Smelov a inclus les langues étrangères dans son cursus.

Ses photographies sont le témoignage d’un maître dévoué, qui aimait la philosophie de Dostoïevski, les peintures de Van Gogh et la musique de Mozart, mais qui lisait aussi les ouvrages théoriques de Siegfried Kracauer et de Roland Barthes et qui était généreux en éloges lorsqu’il évaluait les travaux de ses collègues. Ses photographes préférés étaient Henri Cartier-Bresson et Josef Sudek, qui lui ont enseigné la leçon fondamentale suivante : « Chaque objet du monde matériel a une âme qui lui est propre.

Au début de sa carrière de photographe, Smelov a réalisé des portraits d’artistes et d’écrivains underground, dont lui-même, et a parfois travaillé, avec beaucoup de succès, dans le genre de la nature morte. Ses Still Life with a Pomegranate 1988 et Still Life with a Broken Mirror 1991 sont de véritables chefs-d’œuvre du genre. Elles montrent à quel point Smelov connaissait la peinture de la Renaissance.

Mais par essence, il était un photographe et un chroniqueur de la ville, et pas n’importe quelle ville, mais Leningrad Saint-Pétersbourg, où il est né et mort. Il poursuivait ainsi la grande tradition de la photographie urbaine qui avait débuté au XIXe siècle avec l’apparition de cet art. C’était une époque d’urbanisation et d’industrialisation rapides. Le contraste entre la richesse et la pauvreté, entre les boulevards ensoleillés et les ruelles sombres, entre les bâtiments publics luxueux et les immeubles délabrés, était une source d’inspiration inépuisable pour les images.

L’œuvre de Smelov intitulée « Tuchkov Pereulok » ruelle Tuchkov , réalisée en 1995, montre que ce contraste a survécu pendant plusieurs décennies. Dans cette image, caractérisée par une composition géométrique stricte, nous voyons une vieille femme qui s’appuie sur un bâton et marche prudemment le long d’une étroite bande de lumière tombant parallèlement au mur sans visage d’un bâtiment rectangulaire. Son chemin traverse une allée ombragée, au fond de laquelle on aperçoit quelques arbres : peut-être s’agit-il d’un parc, un des motifs favoris du photographe… Les ombres au premier plan sont clairement dues à un arbre qui n’est pas visible dans le cadre. Le langage des oppositions est simple mais riche et expressif : lumière et obscurité, architecture et nature, homme et paysage urbain anonyme. Dans d’autres œuvres, dont des esquisses lugubres telles que Man with a Bucket 1974 et The Wall 1975 , il n’y a pas de nature, seulement des labyrinthes lugubres dans lesquels se blottissent des habitants invisibles. Ces œuvres appartiennent à une période particulièrement importante et mouvementée de la biographie créative de Smelov, au cours de laquelle il a reçu sa première reconnaissance publique, mais où il a commencé à être poursuivi par les autorités, qui, en 1975, ont fermé son exposition au Palais de la culture « Vyborgsky » et confisqué les œuvres qui y étaient exposées.

Dans les paysages urbains de Smelov, la figure humaine est relativement rare, et les personnes que l’on trouve, par exemple dans Two Figures in a Back alley 1971 , sont en fait des figurants sans nom, qui attirent l’artiste non pas en tant qu’individus, mais par un intéressant jeu d’ombre et de lumière. « Silver Boy 1995 représente une exception frappante à la règle : dans cette composition, la figure humaine constitue le véritable centre… Dans la plupart des cas, cependant, les figures qui apparaissent dans les photographies de Smelov ne sont pas des êtres humains, mais plutôt des statues de pierre dans un cimetière ou des sculptures ornant une fontaine ou un pont, comme le centaure, qui s’équilibre si élégamment dans « Pavlovsk, Centaur’s Bridge I » 1975 et « Pavlovsk, Centaur’s Bridge II » 1994 . Il est intéressant de noter que les travaux les plus récents mettent l’accent sur l’environnement naturel, tandis que la sculpture elle-même est presque entièrement recouverte d’ombre.

Smelov a également réalisé des études architecturales, à la limite de l’abstraction géométrique. La lumière tombant obliquement à travers les fenêtres, les arcs traversés par la frontière entre la lumière et l’obscurité, les escaliers en spirale et les balustrades – ces motifs ont manifestement séduit l’artiste précisément en raison de leur forme. Mais Smelov, qui s’intéressait à la philosophie contemporaine, a peut-être aussi vu des connotations existentielles dans ces images. Un air de mystère et de tristesse imprègne ces paysages de Pétersbourg, en partie parce que Smelov prenait rarement des photos en plein soleil. On voit parfois la lumière blafarde du soir sur ses photos, mais Smelov aimait surtout la lumière du petit matin, lorsque le soleil commence à peine à dissiper le brouillard sur un cimetière, un pont ou un terrain de jeu. Les ombres du matin sont longues et profondes, de sorte que les détails mis en évidence ressortent particulièrement bien. En regardant les photographies de Smelov, nous voyons Leningrad/Pétersbourg non pas comme la ville lumière que les architectes de Pierre le Grand avaient prévue. Malgré toute la splendeur que recèle cette ville, c’est un monde d’ombres et – souvent – un monde de larmes. Dans un article intitulé « Après Raskolnikov : la photographie Français aujourd’hui », le critique John P. Jacob qualifie Smelov de « maître de l’école de l’esthétisme spiritualiste ». En effet, la série « En souvenir de Dostoïevski » pourrait servir de récit sur l’ensemble de l’œuvre de cet artiste, qui est étonnamment doué et se distingue dans l’art de la photographie.

Pont de foin. 1993

Boris Smelov. D’après des entretiens menés au fil des ans

Le mystère est nécessaire

Photo soviétique. 1988. № 10.

– Qu’entendez-vous par succès et échecs ??

– Mes plus gros échecs ont toujours été les aspects techniques de la photographie, le métier, lorsque, à force d’impatience et d’acharnement, j’ai irrémédiablement perdu les meilleurs clichés lors de la prise de vue ou dans le laboratoire. Et la chance, c’est la coïncidence d’intentions créatives, d’une « prémonition d’un coup » avec le résultat final. En général, je me considère comme une personne qui prend des photos émotionnelles et intuitives et, lors de la prise de vue, je me fie à mes sentiments plus qu’à des idées préconçues. Mais en même temps, ne pensez pas que c’est du mysticisme, j’avais l’habitude de rêver de nombreuses photos, et puis, parfois des années plus tard, je les voyais soudainement de mes propres yeux. Et heureusement que j’avais ma caméra et mon film avec moi à ces moments-là.

– Selon vous, que peut-on et doit-on faire pour éviter la photographie « impersonnelle » ??

– Ce qui nous manque aujourd’hui, c’est une théorie sérieuse de la photographie. Il n’y a guère d’afflux de forces jeunes et fraîches.

La question de l’éducation des photographes est très importante pour moi. Je suis moi-même de plus en plus conscient de son absence à mesure que je vieillis. Il est intéressant de noter que la plupart des photographes contemporains ont une formation technique, alors qu’il serait plus utile d’avoir une formation en arts libéraux – philosophique, psychologique, histoire de l’art et, bien sûr, connaissance des langues étrangères. Il faut être capable d’appréhender facilement l’histoire de l’art afin de créer une nouvelle histoire. Un artiste doit connaître le passé, peut-être même mieux que le présent, qu’il peut percevoir à un niveau intuitif. La culture d’un auteur se manifeste toujours, d’une manière ou d’une autre, dans son œuvre… Je pense que sans l’amour de la philosophie de Dostoïevski, des peintures de Van Gogh ou de la musique de Mozart, non seulement moi-même mais aussi mon travail seraient plus pauvres.

– Et une dernière question. Y a-t-il une qualité qu’une photographie réussie doit nécessairement posséder ??

– C’est le cas. Il doit y avoir un mystère là-dedans. Sinon, on perd de vue les perceptions multiples.

L’image de la ville

Objectif. 1995. № 1.

Ma photographie est dominée par la ville, bien que dernièrement, afin de la rendre vivante et uniquement pour cette raison , j’ai prêté de plus en plus d’attention aux gens dans la ville… Je prends mes photos en infrarouge avec un film spécial. J’avais l’habitude de photographier sur des émulsions à haute sensibilité avec un filtre rouge pour obtenir une sorte de Saint-Pétersbourg dramatique, condensé et concentré. Le film infrarouge m’a enchanté car il m’a donné une nouvelle qualité et un effet graphique complètement différent. La difficulté de la prise de vue est que vous ne pouvez pas obtenir la mesure de l’exposition correctement. Ce film n’a aucun sens dans les appareils automatiques où la sensibilité est introduite. C’est ce qui fait la beauté du travail avec elle : vous ajoutez un autre paramètre et parfois vous ne savez pas ce qui va se passer, malgré des années d’expérience… Plus on avance dans la vie, moins on comprend l’effet de la lumière sur l’émulsion… Nous avons l’habitude d’ignorer le rayonnement thermique, mais ici, la température des sujets affecte l’exposition globale, mais il n’y a absolument rien pour mesurer cet effet. Naturellement, nous devons faire des duplicata, même s’il est dommage de devoir traduire du matériel coûteux… Une autre particularité : la mise au point sur un tel film est différente de celle d’un film ordinaire. Le ciel devient très sombre, les verts deviennent très lumineux, c’est inhabituel. C’est pourquoi il faut une approche particulière de la composition, qui tienne compte de toutes ces caractéristiques.

Le tournage sur pellicule infrarouge me permet de souligner un certain cosmopolitisme d’une ville, ses objets, son caractère épique, sa signification, sa tragédie. Et les photos prises sur pellicule ordinaire par temps de brouillard, étant donné la limitation ou l’absence d’arrière-plan, en fait, seul le premier plan et ce délicat gris nacré soulignent un certain lyrisme localisé. Mais je dois dire que dans les deux cas, l’approche romantique prévaut dans mes photos.

Ma maison

Extrait d’une interview réalisée en 1993. à l’éditeur de l’album « Winter Petersburg » 1997 .

– Depuis combien de temps pratiquez-vous la photographie en général, et en hiver également ??

– Depuis que j’ai eu des engelures aux mains et aux pieds à l’âge de 13 ans…

– Quelles sont les particularités du tournage en hiver que vous pouvez citer ??

– Les engelures, lorsque la température baisse et que l’objectif s’embue sous votre veste ou même dans votre sac, alors jetez un rapide coup d’œil à votre objectif avant de prendre vos photos!

– Qu’y a-t-il de si attirant à capturer la ville de Saint-Pétersbourg, et l’hiver en particulier ??

– Grossier – manque de saleté. Plus subtilement, tout cela est conçu et, accessoirement, incarné par tous les architectes européens. L’hiver purifie sans aucun doute, tout comme le fait la rivière Neva pendant une inondation, mais dans un sens différent.

– De quels moments de vos séances de photos d’hiver vous souvenez-vous ??

– Une brèche dans le toit en hiver : on a réussi à passer comme un chat par une fenêtre du grenier, mais peut-être en vain..

– Ce qu’un photographe doit avoir pour un tournage en hiver?

– Je pense que l’équipe Cousteau devrait être consultée ici. Ce serait bien de les mettre dans la Neva! Sérieusement, ce sont les chaussures qui comptent. Les Valenki sont bons, mais pas très bons. Pourquoi? Parfait pour la campagne, mais disons que sur un toit, votre pied à l’étroit n’augmentera pas votre dextérité.

– Utilisez-vous la mise en scène du cadre ou vous fiez-vous au hasard ??

– Cas intuitif – lorsque la neige, le passant, le pont, la maison se fondent dans l’immuabilité, c’est-à-dire le destin.

– Quels sont les maîtres de la photographie qui vous ont influencé ??

– Une question intime. Dans le sens où sa mise en scène implique pour l’homme moyen – à qui ressemblez-vous ?? Si pour celui-ci, je l’achète, mais pour l’autre, j’attendrai que tu sois mort toi-même.

Extrait du catalogue de l’exposition « Boris Smelov. Rétrospective » au Musée de l’Ermitage

20 mars – 28 juin 2009.

Nous remercions la Fondation Boris Smelov pour les textes et les photos fournis pour la publication.

Pour l’exposition de l’Ermitage, l’album « Boris Smelov. Rétrospective » KERBER Publishers, 448 p. ., en Français et en anglais, 3500 exemplaires., vendu dans toutes les librairies d’art en Europe et aux États-Unis .

Un amateur d’aigreurs. 1975

Des lys tachetés. 1987

Silver Boy. 1995

Vendeur de chiots. 1972

Le couple Florensky. 1981

Le chat blanc. 1993

Un coup d’œil vers le bas. 1975

Fontanka en hiver. 1987

Photo : Boris Smelov