Bilan du festival de photographie : Photobiennale 2012

La Photobiennale est le plus grand festival de photographie Français. Il a lieu tous les deux ans, en alternance avec « Mode et style en photographie » du Musée d’art multimédia anciennement la Maison de la photographie de Paris . En 2012, la Photobiennale a eu lieu pour la 9e fois et le public a pu voir plus de 60 expositions. Selon le concept des organisateurs, tous ces événements devaient s’articuler autour de deux thèmes : le principal, « Focus – USA » 2012 a été déclarée année des États-Unis en France et de la France aux États-Unis , ainsi que « Cinéastes – Photographes et Photographes – Cinéastes ».

Chris Marker. De la série « Coréens », 1957

Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Peter Blum Gallery, New York

Contrairement aux années précédentes par exemple, en 2008, lorsque la rétrospective d’Andreas Gursky a été amenée à Paris et que « La première fleur » a été présentée – une exposition brillante sur l’histoire de la photographie couleur en France, compilée par les conservateurs du MDF , la FotoBiennale 2012 n’a pas mis un tel accent sur l’agenda. En général, cette année, par rapport aux « marques de naissance » habituelles du festival par exemple, les sujets vagues et l’absence d’un noyau conceptuel uniforme , le festival a donné une impression de « flou » particulier, comme si l’intérêt des organisateurs pour l’idée elle-même s’était épuisé. Il n’a pas déclenché – et cela a été noté par beaucoup – l’énergie habituelle de la créativité brûlante et de l’enthousiasme pour présenter les trésors de la photographie. Néanmoins, cette fois encore, une sélection intéressante d’artistes occidentaux était exposée, dont certains travaillent à l’interface entre l’art contemporain et l’art moderne. Ils constituent probablement le point fort de l’exposition photo de cette année.

La modernité, comme vous le savez, n’est pas seulement un mot pour décrire notre présent on pourrait le dire de son époque, aux 16e et 18e siècles . La modernité est une étape spécifique du développement de la culture, lorsque la société traditionnelle se désagrège, que la valeur de tout ce qui est innovant se multiplie et que l’environnement urbain devient une communauté en constante évolution. La culture américaine est un symbole majeur à cet égard : elle a toujours été à l’avant-garde de la « modernité », tant positivement que négativement. Il n’est donc pas étonnant que la présentation des « problèmes du présent » soit si bien juxtaposée au « thème américain ». Et pour la France, avec notre histoire malaisée, avec son désir perpétuel de « rattraper et dépasser » quelqu’un, avec son expérience monstrueuse de modernisations violentes et, en même temps, avec son désir perpétuel de se retirer du progrès et de se figer dans la « communauté » et la « sobornost », c’est probablement l’une des idées les plus urgentes à contempler.

Plusieurs projets d’auteurs aussi différents, mais à bien des égards similaires sur le plan conceptuel, que Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei et Alec Sot ont fait vibrer la corde sensible de la réflexion sur ce thème.

L’un d’entre eux est Shore’s Amazing Places. Après avoir parcouru l’Amérique dans les années 70 et publié Uncommon Places en 1982, Shore est à l’origine de plusieurs des tendances les plus actuelles de la photographie conceptuelle et documentaire. Ses instantanés des scènes les plus simples de la vie quotidienne jettent un pont entre l’urgence de l’époque à laquelle son travail est réalisé et notre propre époque : la photographie de rue de l’après-guerre, la naissance d’un intérêt sérieux pour la couleur le nom de Shore est ici cité aux côtés de William Egleston , la photographie de recherche « dépassionnée » de Becher, l’influence sur Nan Goldin, Andreas Gursky et Martin Parr et l’intérêt actuel pour le banal en tant qu’art.

Parr était représenté par son célèbre projet The Last Refuge. Photos de New Brighton 1983-85″. Bien qu’un communiqué de presse indique que la série a été « incluse par le journal The Guardian dans sa liste des ‘1000 œuvres d’art à voir avant de mourir' », elle a d’abord suscité une réaction très controversée. Une partie du public l’a pris comme une satire politique acerbe et caustique, tandis qu’une autre partie l’a pris comme une moquerie de la classe ouvrière passant du temps dans une station balnéaire de Brighton en anglais, bien sûr, il y a un jeu de mots : le mot resort signifie à la fois « havre » et « station » . Le regard de Parr combine une colère froidement détachée à l’égard des politiciens humiliant les gens? À la stupidité des personnes qui succombent à la manipulation? et une admiration pour la couleur, la texture et la beauté du quotidien.

Le travail de Parr fait écho à la compilation de l’exposition Photographie et textes de Taryn Simon présentée au début du festival, avant son ouverture officielle. Les images de deux projets en particulier font une forte impression : « The Innocent » 2003 et « American Catalogue of the Hidden and Unknown » 2007 . La première présente des portraits de personnes condamnées pour des crimes commis par d’autres personnes sur la base de leur fausse photo d’identité. Les tests ADN ont permis aux auteurs présumés d’échapper à l’exécution ou à l’emprisonnement à vie, mais beaucoup ont purgé une peine de 10 à 20 ans chacun. « Le catalogue américain – est une série de photographies d’objets qui sont les fondements et les pierres angulaires de la vie américaine, mais qui restent « invisibles » pour le citoyen et le spectateur moyens : le Centre de stockage des déchets nucléaires, l’Institut de cryogénie où des cadavres congelés sont conservés dans des capsules spéciales en attendant leur résurrection, le siège de la CIA qui cache à la vue une exposition permanente d’art contemporain, dont certains genres ont été soutenus pour promouvoir l' »American way of life », et ainsi de suite. Prises de manière délibérément « neutre » et « exploratoire » et accompagnées de textes plutôt longs, les œuvres de Simon rendent visible l’inconnu, y compris la propagande et l’idéologie, explorant le fossé entre l’imagination, la fiction, la manipulation et la réalité. Et aussi entre le texte et les éléments visuels. Simon explore la photographie comme toile de fond de la vie contemporaine, soulignant son rôle dans la construction de notre conscience et de notre inconscient.

« L’homme invisible » de Liu Bolin est une exposition qui devient à la fois un commentaire doux mais très définitif sur la vie politique et sociale chinoise et sur les grandes questions mondiales en général et une réflexion surprenante sur la nature de la photographie, explorant une variété de stratégies et de types de beaux-arts mondiaux, d’illusions d’optique et de lois de la perception. Ce qui, de près, ressemble à une photo dont tous les détails sont visibles, apparaît de loin comme un hiéroglyphe dont tous les « traits » et « marques » se fondent en une seule image, et la personne l’auteur disparaît tout simplement.

« Ruthless Beauty » de Soth a semblé être un projet curatorial malheureux, dont la sélection et l’agencement ont brouillé la sensation de l’œuvre de l’un des artistes documentaristes les plus intéressants de notre époque. Conteur et créateur de séries de livres, Soth confère à son travail une qualité étrange que nous avons déjà vue chez Simon et Bolin – une exploration ironique des coutures de la photographie en tant que « médium », qui est en outre assez cinématographique, comprimant l’espace entier du film en une seule image énergique et complexe.

Des images de Shore, Parr, Simon, Bolinia et Soth sont tirées des fils d’autres projets de la Fotobiennale, rassemblant et cousant ensemble sa structure même. D’une part aux expositions « d’archives » et historiques, d’autre part à la confluence de différentes formes d’art, représentées cette fois-ci principalement par le texte, la photographie et le film.

Parmi les premiers projets, une vaste exposition intitulée New York City. 1983-1993 par l’artiste chinois Ai Weiwei. Désigné par le magazine Art Review comme « le plus important » dans la liste finale des « artistes contemporains influents » de l’année dernière, Ai Weiwei était jusqu’alors un auteur officiellement reconnu, et est devenu l’un des symboles de l’opposition chinoise en 2008. L’artiste a été battu après avoir soutenu une enquête indépendante sur le tremblement de terre du Sichuan, notamment sur la corruption dans le secteur de la construction ; il a ensuite été arrêté, son studio a été détruit et une procédure de fraude fiscale a été engagée contre le cabinet de design. Les gens ont récolté 1 million par souscription. Cependant, le projet présenté à la Fotobiennale 2012 a été réalisé bien avant ces événements. L’exposition comprend environ 200 images de la ville de New York sur un total de 10 000 images d’Ai Weiwei , notamment. . C’est une sorte de carnet de voyage, sauf qu’il n’est pas fait à la main mais avec une caméra et devient une encyclopédie complète de la vie locale. Un émerveillement face à l’Occident, une documentation détaillée des rencontres avec des artistes, dont des photographes de renom comme Robert Frank, et des croquis banals, notamment de la vie des immigrants – tout cela se retrouve dans le projet d’Ai Weiwei. L’image saisissante d’un visiteur dérouté et confus, issu d’une culture étrangère et d’une tradition esthétique différente, capture et reproduit paradoxalement quelque chose de fondamental, de viscéral et d’important à New York, tout en révélant photographiquement une couche antérieure du visuel, que la culture elle-même a eu le temps d’oublier.

La couche historique de la Photobiennale comprend également au moins trois autres expositions intéressantes : « From the Heart » de Walter Rosenblum une photographie documentaire « à vocation sociale » réalisée par l’élève de Hine et Strand , « America as seen from the car » de Lee Friedländer l’un des derniers projets du pionnier de la photographie de rue, des reflets en noir et blanc de l’Amérique dans le rétroviseur, des croisements étonnants de scènes quotidiennes et des angles inattendus , et « New York » une exposition de photos basée sur le livre de Hine . 1955″ rendu célèbre par William Klein brisant le commandement de Cartier-Bresson du « photographe invisible », abandonnant la perfection technique au profit de la spontanéité et la traînée scandaleuse d’accusations contre le jeune auteur de 27 ans pour avoir montré des Américains trop peu attrayants et la ville de New York comme un bidonville .

C’est également ici qu’il convient de mentionner deux expositions « d’archives » extrêmement intéressantes : « L’art de l’archive ». Photos des archives de la police de Los Angeles » et « Fearless Genius : The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000 » par Doug Menuz. Tout d’abord, les deux expositions semblent intéressantes pour le matériel lui-même, la documentation de ce qui se passe… Cependant, à y regarder de plus près, ils soulèvent une question qui a été soulevée à de nombreuses reprises dans l’histoire de la photographie – celle de la frontière insaisissable entre ses composantes cadastrales, sociales et artistiques.

« L’art de l’archive » présente une centaine de photographies prises entre les années 1920 et 1950, dont les négatifs ont été retrouvés par hasard en 2001. Des questions sur la transgression et les limites de l’acceptable, sur la mesure dans laquelle des images destinées à un public d’experts et de criminologues endurcis doivent être présentées au spectateur moyen, et sur les tendances esthétiques inconscientes que l’artiste invente ou prend au vol, se posent en regardant ces photos de scènes de crime, de preuves, de victimes, de meurtriers avec des voleurs et de cadavres. On se surprend, à un moment donné, à avoir l’étrange sentiment que l’ensemble est moins choquant que certains travaux de Joel Peter Witkin et celui-ci montre la vraie chose, pas les remaniements de l’artiste . Peut-être parce que la photographie « archive-reportage », même à l’exposition, continue d’être perçue comme une toile de fond trop familière.

Chacune des photographies de Doug Menuz que le photographe prend depuis 15 ans est assortie d’un commentaire extrêmement détaillé sur l’histoire de divers projets de la Silicon Valley il a commencé à travailler avec Steve Jobs . Mais on peut difficilement qualifier l’ensemble de la série de récit unifié. Il s’agit plutôt d’une collection d’histoires dans lesquelles le visuel et le verbal jouent un rôle égal. Au fur et à mesure que l’on passe d’une carte à l’autre, on se rend de plus en plus compte que l’on n’est pas en train de regarder un simple manuel d’histoire. Peu à peu, on se fait une idée étonnamment cohérente du fonctionnement de la culture américaine et de la raison pour laquelle l’innovation s’y est si bien enracinée. Nous avons ici aussi un écho direct avec la dispute « idéologique » entre Klein et Cartier-Bresson sur la non- participation et la non- visibilité du photographe dans l’événement : Menyuse était un « observateur inclus », passant des jours et des nuits avec ses personnages au sens littéral. Il qualifie son projet de « quête dans le domaine de l’anthropologie visuelle ».

Deux autres expositions de la Biennale ont donné au thème des archives et de l’histoire une tournure moderne : « An Artist with a Bad Camera » photos de Miroslav Tikhogo et « Nine Eyes in Google Street View » de John Ruffman. Ces expositions semblent raconter deux histoires très différentes et quelque peu opposées. L’un d’eux porte sur un photographe tchèque d’avant-garde marginalisé par un État totalitaire. L’autre porte sur la vision omniprésente, dépersonnalisée et pourtant inattendue de la technologie moderne, sur le bruit écrasant d’informations qu’elle génère, qui ne permet pas de réaliser l’idée d’intimité, de distance ou de solitude. Mais ils posent tous deux la question de la frontière ténue entre le brut et le techniquement parfait, l’amateurisme et l’artisanat, la sensibilité de l’artiste et la folie, l’art et les « déchets » esthétiques.

Quant au thème du cinéma, ce frère jumeau de la photographie, il était présent à la Photobiennale non seulement dans les projets directement consacrés à certains réalisateurs par exemple, les deux expositions sur Ingmar Bergman , mais aussi dans le cadre d’une série d’expositions sur le cinéma. Même le look « direct » du documentariste s’est avéré « cinématographique ». Ainsi, l’étonnant et persistant projet de Peter Hugo « Hyena et autres » questionne le jeu et le jeu forcé, le naturel et l’artificiel dans le monde social qu’est-ce qui est le plus important : arrêter de torturer les animaux ou attirer l’attention sur la pauvreté des violents? . Des reflets inattendus de ce thème ont été entendus même dans « The Los Angeles Archives », lorsqu’il s’est avéré que des photographes de la police travaillaient au noir, photographiant des acteurs dans les studios de l’une des villes les plus « cinématographiques » du monde et imitant le genre du film noir.

Un photographe devenu cinéaste ou un réalisateur devenu photographe – le parcours habituel de l’auteur du vingtième siècle. Nous sommes déjà habitués à voir l’invitée régulière du festival, Sarah Moon, présenter son prochain projet cette année, « Black Hood ». La série de photos « Pictures from the Surface of the Earth » de Wim Wenders, figure emblématique du nouveau cinéma allemand, que le réalisateur a commencé au début des années 1980 et poursuit encore aujourd’hui, est une sorte de « haïku visuel ». Les panoramiques couleur grand format « d’humeur » et « atmosphériques » rappellent les propres films de Wenders et le travail des élèves de Becher, documentant la couleur comme le flux de la vie et les limites du vide en tant que concept. Comme les images de Chris Marker, cinéaste, photographe et philosophe, elles frappent par la complexité d’un récit contenu dans une seule image, derrière laquelle se cache l’énigme du flux ininterrompu du temps et l’abîme des fragments de l’histoire d’autrui. À Paris, nous avons vu quatre séries de Marker et plusieurs films à la fois. « Coréens » 1957 est un classique en noir et blanc pris lors d’un voyage en Corée du Nord. Projet What’s Her Hour? » 2004-2008 – images floues d’un « paparazzi bienveillant » dans le métro parisien, cachant son appareil photo dans sa montre-bracelet, riant de quelque chose hors du cadre, regardant pensivement sur le côté et au loin quelque chose hors du cadre de l’image. « In Pursuit of Dürer » est une installation qui revient sur des gravures anciennes, « Silent Cinema » 1995 et « Empty People » 2005 sont deux autres installations sur la non-linéarité de l’histoire et la juxtaposition de l’image, du texte et du sens. Et enfin, « Runway » 1962 – un film composé d’images photographiques, qui divise le temps en composantes discrètes et en espaces parallèles, racontant l’existence du héros en trois couches temporelles.

Quant au segment Français du festival, il est traditionnellement « faible » par rapport aux expositions occidentales. Il y a eu plusieurs fois moins d’expositions intéressantes, et même l’expérience moscovite de Harry Gruyere « Paris 1989-2009 » s’est intéressée davantage aux textes qu’aux photographies.

Parmi les expositions, il convient de mentionner « Selected Works » d’Alexander Sliussarev – uniquement des œuvres en noir et blanc de 1966 à 1993., tous dans la presse de l’auteur, la plupart provenant des archives familiales. Cette exposition a agréablement surpris grâce à un excellent travail de commissariat, une sélection minutieuse et réfléchie qui a permis de réunir les éléments déjà connus et les nouveautés.

« Arkady Shaikhet. Suite de l’article. 1928-1931 », une exposition réalisée par Maria Zhotikova-Shaykhet, petite-fille d’un célèbre photographe, a suscité un sentiment très intéressant. Malgré la présence évidente, dans presque chaque image, d’un hymne à l’économie socialiste : de nouvelles maisons, des usines de papier, des installations industrielles, les photos de Shaikhet montrent également, de manière incompréhensible, les circonstances sous-jacentes à ces réalisations : la pauvreté dont le nouveau pays a hérité et la pression inhumaine exercée sur ces mêmes personnes par le nouveau régime. Et aussi la vie privée ordinaire, quotidienne, qui lutte pour surmonter toute oppression – même celle de l’État, qui a entrepris de refaire la nature humaine. Les clichés d’Asie centrale sont particulièrement intéressants à cet égard. « Time Machine. Couleur 1930-1970 » de Vladislav Mikosha – un écho à « Primrose ». Le célèbre directeur de la photographie, photographe et chroniqueur de la vie soviétique, qui a fêté son centenaire en 2009, est présenté ici comme l’un des pionniers de la couleur.

Le thème du cinéma dans la « partie Français » était représenté par un projet pour le dixième anniversaire du film « Arche Français » d’Alexandre Sokurov et l’exposition « Intérieur ». La nature de. Le « Pavillon » de Vladimir Mishukov photos du film « Elena » d’Andrey Zvyagintsev . C’est peut-être tout ce qu’il y a à faire – et puis il y a les petites expositions de plusieurs grands artistes contemporains dans les galeries de Paris.

Le festival dans son ensemble laisse un arrière-goût désagréable. À sa conclusion, un critique réfléchi, rafraîchissant sa mémoire de tous les projets, commence soudain à voir : La Photobiennale montre les tendances fondamentales de notre époque, elle représente vraiment une intégrité à grande échelle. En outre, il y avait comme toujours beaucoup de bonnes expositions d’artistes occidentaux, réalisées par des conservateurs occidentaux MDF a toujours eu un excellent sens du produit prêt à l’emploi qu’il fallait apporter en France . Dans le même temps, les expositions elles-mêmes sont marquées par un sentiment constant et familier de chaos et de désintégration en parties distinctes, par l’absence d’une structure claire et d’un concept général distinct, ainsi que par un travail curatorial mature et vivant réalisé par des spécialistes nationaux et une compréhension claire de la place de la culture Français dans le processus global. Je ne suis pas du tout sûr que le spectateur qui n’est pas engagé dans une analyse des tendances artistiques mondiales 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, puisse mettre « tout ensemble ». D’autant plus que cette année, il a dû faire face à plusieurs auteurs assez difficiles à digérer et pas particulièrement organiques à notre culture. Et je ne sais pas combien de fois je vais devoir dire qu’il est temps de passer à autre chose, et si ce message sera entendu, ou si le festival restera au même endroit, perdant peu à peu l’intérêt du public.

Ai Weiwei. Restaurant dans le Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. Courtoisie du Centre d’art photographique Three Shadows

William Klein Quatre femmes, supermarché, 1955 © William Klein

Vladimir Mishukov Sur le plateau du film « Elena » d’Andrey Zvyagintsev

Doug Menyes Un génie sans peur : la révolution numérique dans la Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs parle du cycle décennal du développement technologique. Sonoma, Californie, 1986

Auteur inconnu Des femmes policières s’entraînent au tir dans un stand de tir. 1968

© Département de la police de Los Angeles Courtesy fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman sur le tournage de « Fanny & Alexander »

Photographe Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Série de camouflage urbain de Liu Bolin – 36, 2007

« Mettez-vous au travail pour améliorer vos connaissances. » © Avec l’aimable autorisation de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Série de camouflages urbains de Liu Bolin – 16, 2006

Citoyen et policier #2 © Avec l’aimable autorisation de Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Harry Gruyère France. Paris. District de Vinzavod. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha Paris. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

The Causeway Inn, Tampa, Floride, 17 novembre 1977