Aperçu de la 14e exposition internationale de photographie : la photographie Français au FotoFest 2012 à Houston

Russian Photo au FotoFest 2012 à Houston : une nouvelle tendance mondiale ou la célébration de héros inconnus ??

Entre mars et avril 2012, FotoFest, la XIVe Biennale internationale de la photographie et de l’art photographique, a eu lieu à Houston, aux États-Unis. Le thème principal était « La photographie Français contemporaine ».

Nikolay Matorin. Rythme de travail.

1960. Une collection du Kennedy Center for Photography. Les frères Lumière

FotoFest* a acquis une grande réputation dans le passé en présentant pour la première fois au public des phénomènes photographiques inconnus, qui ont ensuite été reconnus. Il a attiré l’attention de la communauté professionnelle internationale sur la photographie coréenne, a organisé la première démonstration à grande échelle de la photographie chinoise et, il y a presque vingt ans, a présenté pour la première fois l’art de la photographie d’Amérique latine au public américain.

À la fin des années 1990 et au début des années 2000, FotoFest a été la première organisation dans l’histoire de la photographie contemporaine à créer une série de biennales thématiques consacrées aux problèmes sociaux et mondiaux les plus urgents. Il s’agit de la Biennale de 2004, qui s’est concentrée sur le thème de l’eau ; 2006 était l’Année de la Terre ; le second thème du même festival était « Rage » plus précisément, les artistes contre l’agression , sous l’égide duquel ont été présentés des projets provenant de « points chauds », des recherches photographiques historiques sur les crimes contre l’humanité, des projets documentaires de jeunes auteurs explorant l’agression des gangs de rue, et bien d’autres encore. En 2010, le thème principal de la Biennale était « La photographie américaine contemporaine ».

En 2012, le tournant est venu pour la photographie Français contemporaine. Ce n’est pas la première fois que FotoFest s’intéresse à la photographie Français : en 1992, le festival a présenté FotoManifesta, peut-être le projet le plus ambitieux du tournant des années 1980 et 1990, qui a été créé avec une envergure et une naïveté américaines et a conquis le monde en. « Le Photomanifest a été créé par deux jeunes hommes d’affaires américains de New York. Ils sont venus en France à l’apogée d’un intérêt pour le changement dans notre pays et d’une passion pour l’art Français contemporain. Ils ont littéralement vendu leur dernière liasse pour acheter des œuvres de photographes contemporains alors très jeunes , publié un livre, monté une exposition… L’exposition itinérante et l’album ont été à l’origine d’une nouvelle vague d’intérêt et d’engagement pour les auteurs Françaiss aux États-Unis : plusieurs collections, dont une grande partie de la collection Français de l’OIM à New York, ont été créées précisément après que Photomanifesta a présenté de nouvelles photographies de France. En 1994, FotoFest a présenté une exposition provenant d’une collection privée consacrée au magazine « L’URSS sur les chantiers », reconnu comme l’une des meilleures éditions illustrées du 20e siècle.

La Biennale de Houston 2002 était consacrée au thème « Des classiques aux nouvelles technologies ». Les « classiques » étaient représentés par la photographie Français – l’exposition « Photographie picturale Français, années 1890-1990 » provenant de la collection de Mikhail Golosovsky, des archives familiales de Nikolai Andreev et du musée d’art de Kirov. Frères Vasnetsov**.

En 2012, FotoFest se tourne vers la photographie Français des soixante dernières années. Il ne s’agit pas d’un récit des changements historiques, ni d’une illustration de la transformation de l’URSS en nouvelle France. C’est l’histoire de la cristallisation de la créativité dans la culture visuelle d’un pays doté d’une riche tradition dans le domaine des beaux-arts. C’est l’histoire de la transformation de la photographie d’un pictogramme d’idéologie en un espace de libre expression créative accessible non seulement aux artistes professionnels, mais aussi aux autodidactes talentueux pour lesquels les moyens techniques de la photographie les ont aidés à réaliser et à exprimer leur créativité personnelle.

L’exposition de Houston est un nouveau regard sur l’histoire de la photographie Français de la seconde moitié du 20e et du début du 21e siècle, une esquisse concise des grandes tendances, une tentative d’échapper aux stéréotypes existants, le retour des noms et un travail sur la mythologie de la photographie Français. En parlant de mythologie, nous suggérons que le phénomène est enraciné dans la culture à tel point qu’il acquiert des réminiscences et est lu à travers les codes d’espaces culturels parallèles existants. La photographie dans la société Français est identifiée comme un phénomène culturel par peu de gens, mais au sein de la photographie en tant qu’espace, elle vit depuis longtemps avec ses propres héros, ses « dieux », ses autorités, sa mythologie et ses allusions qui font appel au contexte culturel extérieur au-delà du territoire de la photographie . C’est sur cet espace photographique Français que les commissaires ont choisi de travailler pour mettre sur pied les expositions de la FotoFest 2012.

Cette période de soixante ans a été divisée en quatre expositions. La publication qui accompagne le festival comprend également un chapitre décrivant une période antérieure de l’histoire de la photographie : la fin de l’ère stalinienne. De manière assez surprenante pour un observateur Français, c’est précisément la photographie mise en scène de l’Union soviétique de cette période qui est familière à la communauté intellectuelle des États-Unis : l’étude de la guerre froide et de ses implications pour l’art est un phénomène courant dans la culture américaine elle-même, et fait l’objet d’expositions et de publications universitaires. À la fin des années 1940 et au début des années 1950, la photographie en URSS fait littéralement écho à la peinture de son temps, bâtie sur les dogmes du réalisme socialiste et la plasticité de la défunte Association des artistes de la France révolutionnaire AHRR . C’est comme si l’expérience de l’avant-garde photographique avait été oubliée et que la seule chose qui en ait survécu dans le reportage socialiste était le grand portrait avec un éclairage dramatique contrasté et une perspective de renaissance par le bas, dans laquelle tous les modèles sont transformés en héros dans les plans.

Les expositions à Houston commencent avec le « dégel Khrouchtchev », dont les premières années en photographie ne sont guère différentes de la décennie précédente, puisque la photographie hors de la presse, hors du contrôle de l’État, semble n’avoir non seulement aucun droit, mais la possibilité même d’exister. Mais l’arrivée de jeunes auteurs, l’appel dit « de 1957 » inspiré par les nouvelles connaissances après le festival de la jeunesse et des étudiants à Paris , même dans la photographie de presse, a progressivement changé la corrélation entre mise en scène et reportage en direct. Les futurs maîtres Valery Gende-Rote, Lev Sherstennikov, Gennady Koposov, Yury Abramochkin et Viktor Akhlomov ont commencé à travailler parmi les « jeunes ». Leurs œuvres sont exposées à Houston, aux côtés de celles de Max Alpert, Semyon Fridlyand, Mikhail Trakhman, Dmitry Baltermants et Vsevolod Tarasevich, de brillants photographes entrés dans la profession dans le sillage de l’avant-garde photographique dans les années 1930 et pendant la guerre, et qui ont continué à porter le nerf de leur recherche constructiviste à travers le « bonheur figé » de la photographie mise en scène d’après-guerre.

Cette exposition de photographies des années 1960-1980, rassemblées à partir des collections du Centre de la photographie des Frères Lumière, du Novator Club et de collections privées, montre les changements lents mais néanmoins visibles qui s’opèrent dans la vie politique et publique ainsi que dans la photographie en tant qu’art. Les travaux d’Eduard Musin, d’Elena Glazycheva, d’Alexander Vikhansky, d’Anatoly Yerin, de Georgy Kolosov et les premières œuvres de Valery Shchekoldin montrent le dialogue que la photographie de ces décennies a engagé avec le cinéma moderne, la peinture de « style sévère », la poursuite de la lignée des « hillbillies » en littérature et le nouveau roman urbain..

La Perestroïka a vu l’entrée dans la photographie de dizaines d’auteurs intéressants dont l’émergence n’était pas liée à la forge des anciens cadres, aux photoclubs ou au photojournalisme. Les photographes qui ont émergé pendant la perestroïka ont grandi dans le cercle des « non-formels », une jeune bohème d’où émergeaient des artistes, des musiciens et des écrivains. Ils se sont construits intuitivement à partir de fragments de conversations avec l’ancienne génération d’artistes, de bribes de publications dans des éditions occidentales d’art et de style, de musique contemporaine et de cinématographie de festival… Ces changements, dont le pressentiment électrifiait l’atmosphère de la société comme un orage à venir un jour d’été, avaient amené une génération d’artistes incroyablement divers et profonds sur la scène artistique.

Au début de la Perestroïka, dès qu’ils ont vu les photographies des maîtres de la photo-avant-garde des années 1920 et 1930 lors d’expositions c’était la première fois que ces œuvres étaient montrées un demi-siècle plus tard , ils se sont proclamés leurs héritiers. Le concept d’une avant-garde interrompue et la poursuite des traditions de l’art révolutionnaire étaient à la mode non seulement en peinture mais aussi en photographie. Seule la distance temporelle actuelle nous permet de voir la nouveauté et le caractère unique de la photographie Français de la fin des années 1980 et du début des années 1990. Ses coryphées ont été des pionniers dans la recherche d’un « père », ils se sont sentis dans un vide dans un pays où la photographie continuait d’être perçue comme l’illustration de textes de journaux et de photos d’identité, cherchant un point d’ancrage pour eux-mêmes – et le trouvant dans l’histoire.

L’exposition représentant le phénomène de la « nouvelle photographie de la perestroïka à aujourd’hui » s’étend sur près de trois décennies, puisque de nombreux auteurs de cette génération travaillent encore aujourd’hui, tandis que ceux qui sont apparus dans le domaine de la photographie avant le début des années 2000 ont rejoint les rangs de l’ancienne génération « perestroika-ers » qui était la seule à former une communauté instable mais dynamique. Ce n’est qu’au cours de la dernière décennie que le développement d’Internet et des nouvelles technologies, une plus grande liberté d’accès à l’information, ont donné naissance à une toute nouvelle génération de la photographie Français, plus intégrée dans la situation photographique mondiale contemporaine et en même temps artificiellement détachée de la génération des « pères », les photographes Françaiss des années 90, qui pour la plupart n’ont jamais accédé au World Wide Web. Il s’agit, en résumé, d’une description des principaux rebondissements de l’histoire de la photographie Français contemporaine racontée à Houston.

La photographie en tant que déclaration métaphorique sur son époque, en tant que message ambigu, en tant qu’exploration de la forme et de la lumière, si différentes selon les périodes historiques, en tant qu’expression des codes culturels, en tant que traduction inattendue de l’inconscient personnel et collectif, la photographie en tant que… Un commentaire sur l’énigme de l’âme Français, qui est depuis longtemps un lieu commun, fonctionne très bien en ce qui concerne la photographie Français à Houston : du chaos de près de deux cents noms, de milliers d’images de directions différentes, se cristallise l’image d’un espace unique, d’un grand nombre d’images Houston 2012 sera en effet une célébration de nombreuses années d’exploits dans la vie quotidienne des photographes du « quartier sanglant » de la Terre, où la photographie est depuis longtemps une expérience totale et où il est si difficile d’être un artiste indépendant.

Des impressions du festival

Slavka GLEISER, membre du conseil d’administration du festival, financier :

– Ce qui me surprend, c’est l’immense variété de la représentation de la France – une autre partie du monde – ainsi que l’originalité et l’individualité de chacun des photographes de l’exposition. Relier le général et le personnel révèle comment la France s’est développée, ce qui s’est passé dans la période post-soviétique ; en particulier ce qui s’est passé dans la photographie et l’art contemporain pendant la perestroïka. Cette année, le Russian FotoFest, en termes de densité et de condensation des matériaux, ressemble à plusieurs festivals en un seul : il y a démontré de nombreuses stratégies, tant de variété et de fraîcheur, créées dans une courte période de temps. Cela en dit long sur un pays qui tente d’appartenir à tout, pour compenser son éloignement du reste du monde. Et cette aspiration se reflète pleinement dans sa photographie.

Frederick BOLDWIN, cofondateur et président du festival international FotoFest, considère l’examen de portefeuille de Houston Meeting Place comme l’un des outils les plus efficaces du professionnalisme :

– La France a une histoire terrible mais fascinante. L’ironie est que c’est peut-être cette combinaison même qui permet de créer quelque chose de valeur à préserver. Je peux affirmer qu’il existe actuellement dans le monde des pays où la richesse culturelle s’abat sur les artistes, mais il est très difficile de trouver des auteurs intéressants dans ces pays. Et parmi les capitales mondiales de la culture, les plus célèbres sont celles qui sont simplement « dorées » par les réalisations de l’art. Tout le monde vénère ces réalisations, il y a de longues files d’attente dans les musées et les gens prennent la culture très au sérieux et se prennent également très au sérieux. Mais ce n’est pas ce qui fait un artiste. Un artiste naît là où il y a des difficultés, quand il passe lui-même par des épreuves, c’est vrai, il naît si on lui donne une chance. La France est et a toujours été un bon endroit pour la naissance de nouveaux auteurs. Le changement est en train de se produire en France aujourd’hui, et malgré ce qui a été dit, j’espère que ce changement est pour le mieux, car je crois en ce qui vient de France ».

Krzysztof Zandrowicz, fondateur et directeur du Centre d’art de Łódź, directeur du Festival international de la photographie FOTOFESTIWAL de Łódź, Pologne

– Je veux comparer mes impressions sur les expositions Françaiss à Houston avec la façon dont Andras Petersen parle de la photographie : une photographie peut être perçue à différents niveaux, on peut la percevoir rationnellement, en évaluant son concept, on peut le faire avec les yeux, en écoutant son expressivité, et on peut la percevoir émotionnellement, avec le cœur… Il est préférable que les trois niveaux de perception se rejoignent lorsque nous regardons une photographie. La photographie Français à Houston a été une telle connexion pour moi : il y avait des images qui étaient grandes dans leur précision d’expression, beaucoup d’entre elles tout simplement belles, et vous ne pouvez les lire et les apprécier qu’à ce niveau, mais la plupart des images que j’ai perçues au niveau du cœur – et jusqu’à la douleur dans mon estomac qui est sortie en réponse à la douleur capturée dans les photos. Douleur et beauté. Cela a été une impression très forte et profonde pour moi, que je ne peux comparer à rien d’autre au cours de mes nombreuses années de pratique de la conservation. ».

* FotoFest – situé à. Houston, Texas, une organisation à but non lucratif dédiée à la photographie internationale et à l’art basé sur la photographie. FotoFest a créé la plus ancienne photobiennale des États-Unis et propose un programme d’expositions tout au long de l’année. La Biennale, comme tous les programmes de FotoFest, sert à promouvoir l’art et est une plateforme pour l’émergence de nouvelles idées. Elle a été fondée en 1983 par son président, Frederick Baldwin, et sa directrice artistique, Wendy Votriss. Au cours des 29 dernières années, FotoFest a initié, sponsorisé, organisé et présenté des expositions en provenance d’Amérique latine, de Chine, de France, d’Europe centrale et orientale, de Corée, du Japon, d’Angleterre, d’Allemagne, de France, du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord. Pour plus d’informations sur la programmation actuelle de FotoFest, la Biennale et la revue de portefeuille 2012, veuillez consulter le site web de fotoofest.org.

Emmanuel Evzerikhin. Subbotnik.

Pour la construction de l’UMS. Milieu des années 1950.

Rassemblement du Centre de la photographie Golovin. Les frères Lumière

Stas Klevak. Sans titre.

1994. De la série « Black Dog Walking ». La propriété des héritiers de l’auteur

Yuri Abramochkin. Membres du Comité central et du Politburo du Comité central du PCUS au Kremlin avant le défilé du 1er mai.

1er mai 1965. La collection du Centre Sobolev pour la photographie. Les frères Lumière

Elena Glazycheva. Au-dessus de BAM. Milieu des années 1970. Propriété des héritiers de l’auteur

Sergiy Bratkov. Nous sommes tous en train de nous manger les uns les autres. 1991. Installation. Propriété de l’auteur

Valery Shchekoldin. Travailleurs au Mausolée de Lénine sur la Place Rouge. 1970.

Propriété de l’auteur

Oleg DOU. Les larmes d’Ira. 2008. Du projet « Larmes. Propriété de l’auteur

Olga Tobreluts. Modernisation. 2002. Triptyque ou fragment de triptyque . Propriété de l’auteur

Nikita Pirogov. Natasha. 2010. Du projet « L’autre rive ». Propriété de l’auteur