Photographe Maria Pleshkova : autoportrait dans une tour d’ivoire

L’histoire s’accélère progressivement ; elle a désormais atteint un rythme incroyablement rapide : elle compte en jours, parfois en heures, voire en minutes. Chaque jour est un enchevêtrement d’événements, du microscopique au mondial. En même temps, le monde moderne est segmenté. Et tout ce qui se passe dans chaque segment n’intéresse, en règle générale, que les participants directs aux événements. Photographie. On a l’impression que la photographie n’existe que pour elle-même et que les photographes sont de plus en plus souvent enfermés dans leur tour d’ivoire. Une personne éloignée de la vie photographique y retrouvera à la fois l’esthétique de la photographie d’art contemporain et les thèmes parfois trop durs du photojournalisme. L’opinion des personnes qui ne sont pas impliquées dans le processus photographique varie de « qu’est-ce qu’il y a de si spécial là-dedans ?? »à » l’horreur, pourquoi devrait-il être filmé du tout? ».

Autoportrait. 2012 g.

Maria Pleshkova – photographe documentaire. Né à Paris en 1986.

Éducation

2012 – XXV Barnstorm : l’atelier d’Eddie Adams, Jeffersonville, New York.

2010-2011 Cours de Tatiana Danilyants « Réalisation de courts métrages : théorie et pratique », École des arts visuels.

2010 Cours de photojournalisme de Sergei Maksimishin. Photographie de magazine. Photohistoire », École des arts visuels.

2009-2010 – Cours de recyclage professionnel en photojournalisme, Université d’État de Paris Lomonosov. m. v. Lomonosov.

2003-2008 – Faculté de droit, Université d’État de Paris Lomonosov. m. v. Université d’État de Paris Lomonosov.

Expositions et festivals

2013 – Festival Circulation s : Jeune Photographie Européenne Paris, France

2012 – Exposition collective « Jeune Photographie 2012 2/2. Réalité/Décoration » St. Petersburg, FotoDepartament .

2012 – International Moscow Femme Fest : exposition collective « Un monde sans femmes » Paris, ArtPlay Design Center .

2012 – Salon ouvert de la photographie d’Arles Arles, France .

2012 – Exposition collective « Jeunes photographes de France 2012 » Tcheboksary .

2012 – Exposition collective « Fotoboloto et Foto Sugar. LES ÉGLISES D’UN PAYS EN VOIE DE DISPARITION. Hiver de la douzième année » Paris, Centre Rodchenko pour la photographie . Les frères Lumière .

2011 – Festival du film européen de Séville Séville, Espagne .

2011 – Exposition internationale d’art jeune « Atelier 20’11. Aujourd’hui/demain : programme « Arthouse in Short Film », commissaire Tatiana Danilyants Paris, Musée d’art moderne de Paris .

2011 exposition de groupe « Jeunes photographes de France 2011 » Kazan .

2011 – exposition collective des étudiants de Vladimir Vyatkin « Blicks of the Master » Paris, Photocentre de l’Union des journalistes .

Prix

2012 International Photography Awards : Mention honorable.

2012 Le prix Inge Morath : finaliste.

2012 Jeunes photographes de France : lauréat.

Concours international de photo de presse de Chine 2012 : Prix d’or – Nouvelles de la nature et de l’environnement.

Concours international de photo de presse de Chine 2012 : Prix de bronze – Art Culture & Divertissement Actualités.

Guy Fawkes masqué lors d’un rassemblement non sanctionné au centre de télévision Ostankino de Paris. 2012

Mais dire que la photographie existe par elle-même ne serait pas tout à fait juste. Il s’agit plutôt de la photographie en tant qu’élément de l’art contemporain, qui se caractérise par l’effacement généralisé des frontières, tant géographiques que génériques. Dans le cadre de la mondialisation, l’espace informationnel et culturel s’unifie plus ou moins, même si, bien entendu, chaque région conservera sa spécificité : l’art contemporain européen diffère de l’art asiatique.

Et au sein d’une même région : la photographie espagnole sera légèrement différente de celle de la Norvège, par exemple. On assiste également à un effacement de la frontière entre les arts, ou plutôt à un mélange de tout avec tout le reste. La photographie coexiste avec l’audio et la vidéo dans une même œuvre audiovisuelle, la peinture et les techniques photographiques coexistent sur la même toile, et l’image est reliée au texte.

La symbiose produit non seulement de nouvelles significations mais aussi de nouveaux genres, comme le multimédia, qui combine différents médias et se fonde sur les lois de la dramaturgie. Et ce n’est qu’un exemple. D’autres arts pénètrent également l’un dans l’autre. Je n’ose pas prédire quel sera le résultat. Je veux croire que quelque chose de nouveau va se produire dans l’art, qu’il ne deviendra pas une chose en soi et que nous n’assisterons pas à un jeu de perles, comme c’était le cas dans un roman de Hermann Hesse.

Extrait de « Jours de guerre : un journal intime ».

Donner vie au cadre

La photographie n’est pas, et n’a jamais été, objective. Pour moi, un autre critère est beaucoup plus important. Il y a deux sortes de photographies : celles qui sont « vivantes » et celles qui ne le sont pas. Dans les photos « sans vie », il semble que tout soit bon : la lumière, la couleur, la composition et le sujet. Mais l’image a l’air morte, n’attire pas l’œil, ne fait pas sursauter le spectateur et est oubliée immédiatement après le visionnage. Les « Vivants » ne sont peut-être pas parfaits en termes de technique et de composition, mais ils tiennent le spectateur en haleine et donnent matière à réflexion et à réflexion.

Pour moi, c’est la vérité photographique. Quelle proportion du cadre est ressentie? D’une part, il y a l’énergie de l’extérieur, la sympathie et l’empathie. Vous devenez le sujet de votre propre photographie, vous vivez la vie de quelqu’un d’autre et, pendant un instant, vous devenez quelqu’un d’autre. Il y a l’abnégation et le fait d’apprendre à connaître le monde. Et cela ne dépend pas de ce que vous filmez exactement : des réunions à Paris, les conséquences des inondations à Krymsk, la vie quotidienne dans la campagne Français, vos propres autoportraits…

D’un autre côté, vous vous mettez dans le cadre. Et dans un sens, chaque photo est un autoportrait. C’est cette symbiose entre l’intérieur et l’extérieur qui produit un cadre d’image en direct dont on ne comprend parfois pas la magie lorsqu’on le regarde. La magie est que derrière la surface du visible, quelque chose devient visible. En d’autres termes, les choses dans ces plans deviennent des idées de choses, selon Aristote.

Un homme portant un masque de Vladimir Poutine lors d’un rassemblement sur Prospekt Akademika Sakharova. 2011

Espace dans un cocon

La technologie, y compris la technologie photographique, se développe et s’améliore rapidement, plus vite chaque année. Il a fallu des siècles à l’humanité pour obtenir la première photographie et des décennies pour concevoir l’appareil photo numérique. Maintenant, il y a de nouvelles images chaque année… et de moins en moins surprenantes.

On se lasse du monde en perpétuel changement qui nous entoure et on se replie sur soi, loin de la crise mondiale. Cela s’applique à la crise économique, à l’incertitude quant à l’avenir, à la crise culturelle, au rythme de vie qui s’accélère chaque année et au flux d’informations qui se transforme en avalanche. Les gens entrent dans leur cocon intérieur ; ils s’intéressent à leur propre espace intérieur.

La photographie contemporaine s’intéresse au monde intérieur d’une personne. De plus en plus souvent, le regard des photographes ne se porte pas sur le monde extérieur mais sur l’intérieur. Ce ne sont pas les pays lointains avec leurs regards exotiques ou les événements brûlants qui font l’objet de la recherche, mais le microcosme d’une personne… À cela s’ajoute le fait que les blogs et les médias sociaux brouillent progressivement la frontière entre l’intime et le public, habituant les gens au fait que les choses privées peuvent devenir publiques.

La photographie est un documentaire par nature, elle capture la réalité qui l’entoure. On pourrait penser qu’il y a une certaine psychologie impliquée? Mais il le prend. Et les émotions, les peurs, les pensées sont dépeintes dans le cadre. Les projets sont différents : certaines personnes prennent des photos de leur famille et de leurs proches, d’autres font des autoportraits et d’autres encore se concentrent sur leur monde intérieur. Chacun a des objectifs différents. Pour certains, il s’agit de raconter une histoire sur un problème mondial à partir de l’exemple de leur environnement ; pour d’autres, c’est la découverte de soi grâce à la photographie ; pour d’autres encore, c’est la guérison et l’art-thérapie.

Participants au rassemblement de la place Bolotnaya. 2011

Le photographe Angelo Meredino capture l’histoire de sa femme luttant contre le cancer du sein. Il a épousé la fille de ses rêves et six mois après le mariage, on lui a diagnostiqué un cancer. Depuis quatre ans, Angelo aide sa femme et documente son combat contre la maladie. Giovanni Cocco filme l’histoire de sa sœur Mona, qui est handicapée depuis la naissance. Les deux histoires sont poignantes.

Le niveau de confiance entre le photographe et le modèle joue un rôle important. C’est une chose pour un photographe d’apparaître de nulle part. Et c’est très différent lorsque le photographe est votre personne la plus proche. Bien sûr, les photographes talentueux peuvent trouver une approche de presque n’importe quelle personne, pour se faire des amis, pour gagner la sympathie de leur modèle. Mais si vous vivez avec une personne pendant des années, le niveau d’empathie sera beaucoup plus élevé.

Je ne veux pas dire que photographier des êtres chers est facile. Non. Parfois, vous connaissez si bien votre modèle – chaque geste, chaque nuance d’humeur – que vous ne savez pas de quel côté l’approcher… Et puis il y a la responsabilité. Vous assumez la responsabilité de toutes les personnes que vous photographiez, qu’il s’agisse de parents proches ou de personnes que vous n’avez jamais rencontrées. Son image reste dans vos photos. De la manière dont vous le voyez et vous en souvenez, le monde le verra et s’en souviendra avec… Il y a un double sens de la responsabilité face aux personnes les plus proches de vous : elles vous font confiance a priori. Les histoires comme celle-ci ne concernent pas seulement des personnes qui se battent contre une maladie. Il s’agit aussi des photographes eux-mêmes, qui aident et participent à cette lutte.

Les autoportraits constituent une autre catégorie d’histoires personnelles. Le genre de l’autoportrait existe depuis longtemps et occupe une place particulière dans l’art. Les autoportraits peuvent être réalisés dans différents buts. D’une part, il s’agit de la découverte de soi, de la réflexion sur son propre caractère, ses forces et ses faiblesses, de la réflexion sur sa propre apparence… Au moment de réaliser un autoportrait, l’artiste répond aux questions « Qui suis-je ?? »,  » ce que je suis comme? ». L’autre facette du genre est l’auto-positionnement. Les autoportraits ne sont pas toujours vrais, et ils ne dépeignent pas ce qu’une personne est réellement, mais ce qu’elle veut être ou paraître aux yeux des autres.

Le genre que je trouve le plus intéressant et le plus difficile à réaliser est de photographier l’invisible, comme les états intérieurs. Comment raconter la peur, la passion, la mélancolie? Ils sont invisibles, ils sont en nous. Une photographie n’est pas faite à la main ; vous ne pouvez pas inventer ou sélectionner une couleur, mélanger des couleurs ou représenter une abstraction qui suscitera certaines émotions chez le spectateur.

La photographie est documentaire, le photographe n’a à sa disposition que la réalité environnante, tangible et concrète. Les photographies troublantes d’Antoine D’Agata et de Michael Ackerman plongent le spectateur dans des univers intérieurs. Ils sont sombres et émotionnels. Derrière le rideau de la matière, on peut entrevoir l’idéal. Le photographe japonais Hiroshi Sugimoto explore le passage du temps en photographie. Avec un temps d’exposition trop long, un photographe capture en une seule prise un long métrage, l’allumage d’une bougie, le changement de temps..

J’ai toujours été intéressé par la façon dont un outil visuel peut révéler l’invisible. C’est toujours un défi pour moi de capturer dans une photographie ce que l’œil ne peut pas voir.

Un mannequin dans une vitrine et des participants défilant dans la rue Bolshaya Yakimanka. 2012

Reportage depuis ma propre maison

Photographier le personnel est probablement déjà une tendance de la photographie contemporaine. Cette tendance m’a également touchée, bien que lorsque j’ai conçu ce projet, je ne pensais pas à ce qui était à la mode et actuel. Il est sorti plus tard, quand le projet était prêt.

2012. La guerre civile en Libye. L’événement qui a poussé tant de journalistes à quitter leur siège. Un de mes proches est allé en Libye. Je voulais vraiment le suivre, mais je ne pouvais pas. Il s’est avéré par la suite qu’elle avait raison de rester.

D’abord, je n’aurais été qu’un jeune photographe « vert » de plus qui partait à la guerre.

Deuxièmement, j’ai raconté la guerre sous un angle très différent, un point de vue différent. J’ai tenu un journal photographique. Chaque jour est une image de moi et de ce qui se passe autour de moi. Mais il ne se passait pas grand-chose autour de moi, alors il s’agissait souvent d’autoportraits, de natures mortes de ma maison et d’images de l’écran de mon ordinateur portable, auquel j’étais littéralement collé en permanence, dans l’attente des nouvelles… Chaque photo était accompagnée d’un texte – un titre d’actualité sur ce qui s’est passé en Libye ce jour-là.

Pendant que je tournais ce reportage, je me fichais éperdument des tendances de la photographie contemporaine, des concepts bigots et autres théories… J’avais peur pour quelqu’un qui m’était cher, j’étais immergée dans les nouvelles, et j’avais l’impression d’être en Libye moi-même – l’immersion était tellement profonde. Lorsque quelqu’un de proche est revenu et que j’ai terminé mon projet, j’ai enfin pu me poser et essayer de regarder le projet de l’extérieur… Je ne pense pas être le seul à avoir une histoire à raconter. C’est l’histoire de toutes les femmes qui attendent leurs proches dans les points chauds. C’est ainsi que le particulier s’est transformé en généralisation et que le personnel est devenu figuratif. Heureusement que je ne suis pas allé en Libye.

Les membres du groupe punk Pussy Riot au tribunal de Khamovnichesky. 2012

Un garçon dans une cour à Krymsk. Les chantiers après l’inondation se ressemblaient tous plus ou moins : une couche de limon collant et des tas d’objets humides retirés des maisons. Territoire de Krasnodar, 2012