Le regard d’un auteur sur la photographie

La prise de vue dans le dos du personnage principal, souvent utilisée au cinéma, donne l’impression de voir la scène à travers ses yeux, ce qui nous permet de nous identifier involontairement à lui. En général, l’identification du spectateur avec quelqu’un l’auteur ou le héros ou quelque chose dans l’œuvre d’art est un thème transversal dans tout art et un critère clé pour ce qui nous occupe ici.

J’admets qu’il s’agissait d’un coup monté, sans grande attente, mais c’était le meilleur coup de la journée. Vous vous souviendrez peut-être que, selon des témoins oculaires, le même Cartier-Bresson ne prenait pas beaucoup de photos et que la proportion de tirages qu’il prenait était, selon de nombreux témoignages, tout à fait standard, c’est-à-dire qu’il ne prenait pas de photos. e., S’il travaillait dans notre maison d’édition, il devrait écouter un comptable grommeler : 2 bobines de film ont été achetées, mais 3 se sont retrouvées dans un numéro, c’est donc un gaspillage évident. Conclusion pratique : tirez à la moindre sollicitation et vous aurez plus de chances.

Le cadre « fonctionne » grâce à la solution de composition : voici un motif croisé oblique une ligne de tables-chaises et le regard du héros qui la traverse, ce que nous supposons , et d’ailleurs, un de ces cas où un capteur croppé aurait donné un meilleur résultat qu’un plein cadre, comme ici les détails hors foyer dans la partie supérieure du cadre auraient été mieux évités .

Canon EOS 5D, 24-105/4L à 75mm, ISO 100, 1/15 sec, f/7.1, compensation d’exposition -1/3, priorité d’ouverture.

La question principale en photographie : pourquoi les gens en ont-ils besoin ?.

« Mes portraits en disent plus sur moi que sur les personnes que je photographie.

Richard Avedon

Pourquoi?.. Si vous filmez pour gagner votre vie, c’est une autre histoire. Le photographe Vladimir Arkhipov a souvent dit qu’à ses yeux, un photographe amateur sérieux est d’un rang plus élevé qu’un professionnel, parce que le chemin qui le mène au maître est plus court et plus droit, et qu’un professionnel tire sur des saucisses.

C’est vrai, c’est vrai ; toute personne qui photographie pour de l’argent vous dira qu’une grande partie de la photographie rémunérée consiste à vous emmener dans un endroit disgracieux et à vous dire : « Prenez une photo de ceci pour un catalogue. Ensuite, il s’agit d’avoir la bonne technique et les bons outils.

Et, bien sûr, c’est toujours agréable lorsque l’habileté est bonne et que la prise de vue est bonne je ne cesse de m’étonner de l’enthousiasme enfantin avec lequel tout vrai photographe, bien qu’ayant déjà des cheveux gris, suit le processus très technique de l’apparition d’une image , mais cela ne change rien au fait que l’on peut aussi tirer sur des saucisses avec plaisir.

Il en va différemment lorsqu’une personne s’engage dans la photographie en raison d’un besoin intérieur – « parce que j’aime ça ». Le besoin de s’exprimer se trouve dans les couches les plus profondes de la psyché et est inextinguible : quelqu’un tire, quelqu’un compose, quelqu’un fait de l’artisanat, et s’il n’y a rien de tout cela, écrit sur la clôture..

Toute œuvre liée à l’art a sa valeur principalement parce qu’elle représente un miroir dans lequel une personne peut se voir objectivement si elle essaie et veut le faire comme le dit Viktor Ivanovskiy, si vous êtes sentimental, vos photos sont sentimentales ; si vous êtes stupide, vos photos sont stupides . Et il n’y a pratiquement pas d’autre miroir. En d’autres termes, sans l’art, vous serez vu par d’autres personnes bien meilleures que vous, alors qu’avec l’art, vous avez une chance précieuse de vous voir, de vous comprendre et de vous améliorer.

Ce n’est que dans ce contexte qu’il convient de rappeler les paroles de Sekou Asahara, exécuté pour l’attentat au gaz du métro de Tokyo : il a déclaré que le pire châtiment attend les acteurs et les interprètes dans l’au-delà parce qu’ils enseignent aux gens de fausses réactions étrangères à leur entourage. Après avoir vu beaucoup de beaux échantillons, un homme répète les mots de quelqu’un et grimace au lieu de réfléchir, en quoi cela le concerne personnellement, c’est-à-dire qui il est, en fait, en essence…

La question est toujours valable, elle n’est pas simple et parfois même douloureuse, et des réponses simples comme « je suis argentin » ou papou , « je suis un fan de football » ou « je suis un rockeur » ne satisferont pas longtemps une personne exigeante. Les options aliénées et suggérées sont plus dangereuses : elles ne sont pas si simples et peuvent s’incruster définitivement dans une personne. En fait, nous les connaissons très bien – ce sont des timbres photographiques.

« Un appareil photo peut photographier une pensée. ».

Dirk Bogarde

La photographie est l’un des meilleurs moyens subjectivement, bien sûr et certainement le plus intéressant de traiter toutes ces questions. À chaque étape de sa création sujet, composition, raccourcissement, etc. , vous pouvez choisir la meilleure photo. la photographie est toujours un choix, une recherche de la solution la plus intéressante parmi un ensemble de possibilités.

Il semble que dans chaque cas, nous soyons limités à quelques options, mais un musicien n’a que 7 notes à sa disposition – et personne ne se plaint qu’il n’y a pas de place pour évoluer. Et n’importe quelle ménagère fait une soupe avec le même ensemble de pommes de terre, de viande et de sel, et c’est toujours différent. C’est dans les petites particularités de choix à chaque étape photographique que réside la base matérielle de l’œuvre de l’auteur, la matière première dont elle est faite.

Vous pouvez prendre la photo en position debout, vous déplacer ou vous asseoir. Vous pouvez inclure un coin d’un bâtiment dans le cadre ou laisser un espace vide sur les bords. Vous pouvez introduire une correction d’exposition de moins deux, ou vous pouvez la laisser à zéro… Eh bien, il y a un choix. Puisqu’une photographie, dans sa variante propre, est surtout un art non verbal ce qui signifie qu’une prise de vue ne peut pas être remplacée même par une description verbale détaillée, il y a toujours quelque chose d’ineffable et d’inexprimable dans les mots , alors le choix se fait intuitivement à chaque fois…

Bien sûr, tout photographe peut facilement vous expliquer après la prise de vue pourquoi il a posé ou assombri le cadre, mais cela ne veut pas dire grand-chose : soyez sûr que si deux photographes photographient la même scène différemment, tous deux justifieront leur choix de la même manière. Le raisonnement vient plus tard, lorsqu’une décision intuitive a déjà été prise. C’est ce que vous devez développer en premier lieu, et c’est ce qui, à son tour, vous développera.

« Il n’y a pas de règles pour une bonne photographie. Il y a juste de bonnes photos.

Ansel Adams

Ce sont les écarts par rapport aux choix les plus évidents et les plus banals – en matière de sujet, de composition, etc. – que le spectateur considère instantanément comme les plus précieux, tout aussi intuitivement qu’ils viennent à l’esprit ou immédiatement dans les mains du photographe.

Ils créent des « points d’intérêt », et leur résumé est le style. L’origine auteur à l’origine de tout peut être définie conventionnellement comme l’attitude de l’auteur envers son style, lorsqu’il le style est aussi ressenti comme un outil.

On ne peut pas tromper le subcortex : les constructions non intuitives et farfelues sont immédiatement reconnues par le spectateur comme fausses et donc inintéressantes. Un photographe doit voir son cadre un instant avant de prendre une photo il arrive, bien sûr, qu’il voie le cadre, mais dans la réalité, quelque chose ne coïncide pas ou se met en travers – un mauvais arrière-plan, par exemple, ou des personnes supplémentaires, et il doit faire attention à ne pas le renverser, en gardant ce qu’il voit dans sa tête et en ordre de marche pour donner une réalité à son idée . Vous devez voir de manière à susciter des émotions et d’autres choses, puis vous avez une chance de filmer de manière à ce que le spectateur soit lui aussi « remué ».

« Je ne me demande jamais ce que je dois faire. Ils me le disent eux-mêmes. Les photographies se créent d’elles-mêmes avec mon aide ».

Ruth Bernhard

Un spectateur est certainement une bonne chose, mais il n’est pas inévitable et pas toujours… Si la tâche consiste à donner un sens à soi-même et c’est de là que vient l’originalité de l’auteur , alors l’auteur peut être un spectateur tout à fait autonome : pensez à Gauguin, à Van Gogh, ou à la nounou de Chicago récemment découverte, qui a passé toute sa vie à faire des photos tranquilles pour elle-même, qui est déjà presque comparée à Bresson bien que si vous vous souvenez que la comparaison se fait avec des antiquaires qui ont besoin de vendre sa collection, alors il n’y a aucun doute .

En tout cas, aux premiers stades du développement photographique, lorsqu’il n’est pas facile d’expliquer à quelqu’un d’extérieur, mais aussi à soi-même, ce qui se passe dans sa photo et ce que l’on veut, le spectateur n’est pas nécessaire

À ce stade, un photographe novice est confronté, s’il étudie sérieusement, à une tâche encyclopédique : essayer autant de solutions différentes que possible à un problème de prise de vue donné, y compris des timbres pas trop éculés, puis, en se rappelant les mots d’Asahara, examiner les résultats et essayer de décider par soi-même : ce qui est à moi, ce qui ne l’est pas en réalité, c’est beaucoup plus intéressant et agréable qu’on pourrait le penser sans pratique . C’est une étape importante : chaque technique est une brique dans le mur du temple du style personnel. Et lorsque vous avez une sorte d’expérience et d’automatisme, alors un spectateur qui comprend l’essence de la question sera précieux.

« Je n’ai pas tiré une seule image comme je voulais le faire. Ils finissent toujours par être meilleurs ou pires ».

Diane Arbus

L’une des tentations les plus dangereuses et pernicieuses dans l’enseignement de la photographie, surtout au début, est la recherche d’une perfection rapide il existe un piège similaire dans la pratique chrétienne – lorsqu’un nouveau croyant essaie de devenir un saint le plus rapidement possible . D’où vient cette perfection dans la première étape?

Le moyen le plus facile et le plus rapide est sur le côté. Mais la perfection de quelqu’un d’autre, si vous essayez de la copier et de la faire passer pour la vôtre, tue les impulsions mêmes à partir desquelles une excellente image peut un jour, avec un développement réussi, devenir une source d’inspiration. En ce sens, l’histoire d’Ivan le Tsarévitch, qui a brûlé prématurément la peau de grenouille de sa femme, peut également être lue comme un conseil codé pour un jeune photographe.

Allez aussi longtemps qu’il le faut dans la peau, même si ce n’est pas du Calvin Klein ou du bear avec votre muse dedans , alors vous vous porterez mieux. Non seulement l’imitation n’est pas viable, mais elle tuera la chose la plus importante qu’il convient de cultiver et d’arroser : l’esprit d’auteur personnel. Et si vous le laissez devenir un peu robuste, ce sera comme l’anecdote : « Quand je serai grand, j’en aurai autant que vous voudrez ». Il est donc fortement conseillé à un photographe, surtout s’il est débutant, de faire des folies et d’expérimenter – c’est la lumière, l’imperfection consciente et délibérée, les écarts par rapport aux règles qui forment un style personnel, et si l’on est un égoïste sain, alors il n’y a rien de plus important que cette tâche.

« Si un vase ancien est magnifiquement sculpté et peint, il sera magnifique pour cette seule raison. Mais je ne pense pas qu’il en soit de même pour la photographie. S’il n’a pas quelque chose d’un peu étrange, d’un peu incomplet, il ressemblera juste à une copie de quelque chose de bien. Je ne pense pas que cela nous intéressera. ».

John Loengard

Bien sûr, la boîte à outils photographique est particulière. Un artiste que je connais s’est étonné : « Comme cela doit être difficile pour vous, photographes, de trouver un sujet pour que tout coïncide et d’avoir le temps de photographier. Avec nous, avec les peintres, c’est beaucoup plus facile : vous apprenez, vous développez votre manière et ensuite vous peignez à votre guise ».

Il y a une raison à cela : un photographe est vraiment plus dépendant de son environnement. C’est pourquoi toutes sortes d’astuces sont récupérées partout où cela est possible. Il y avait toutes sortes d’astuces pendant l’exposition câblage, par exemple , et des optiques faites maison, et « Photoshop ». Tous les outils sont bons, si seulement le résultat. Les arguments selon lesquels la photographie « pure » c’est-à-dire sans « Photoshop » est toujours supérieure et meilleure semblent s’être enfin apaisés.

Ils ont quelque chose d’un sport. C’est comme si on considérait que si un ninja tue ses ennemis avec cinq armes différentes, et l’autre avec un seul fidèle katana, alors ce dernier est supérieur… C’est peut-être le cas, mais ce n’est pas nécessaire. Il est beaucoup plus important de savoir combien d’ennemis et lesquels ont été tués par l’un et l’autre. Bien sûr, si l’on est un fanatique du katana, cette approche devient plus compréhensible.

« La photographie n’est pas prise, elle est créée. ».

Ansel Adams

Puisque nous parlons de « Photoshop », il peut être utile de rappeler un fait un peu désagréable pour les photographes : Cartier-Bresson a abandonné la photographie à la fin de sa vie et s’est mis à peindre… « Ici! – un autre artiste que je connais a pleuré quand il l’a appris. – Vous, les photographes, êtes des fétichistes! Un véritable artiste sait que toutes ces choses, la caméra et la peinture, ne sont que des outils entre ses mains! »Alors peut-être que Photoshop rejoindra les rangs un jour.

Mais revenons au téléspectateur. Le sujet du spectateur et, plus largement, l’appréciation de votre travail commence très vite à s’enliser dans la question de l’environnement et du contexte culturels. Ceci est étroitement lié à l’origine de l’auteur. Un artiste ne vit pas dans un espace sans air et il est très important qu’il soit nourri par la société. Bien sûr, la société est à première vue vaste, et dans la vie ordinaire, personne n’est empêché de communiquer uniquement avec un cercle étroit de quelques privilégiés.

Mais lorsqu’il s’agit de la matrice culturelle, c’est un peu plus compliqué. De facto, nous avons adopté la photographie occidentale comme norme d’excellence. Ce n’est pas surprenant, car il est allé loin, et il n’y a rien de mal à cela. Il suffit parfois, en choisissant des exemples à suivre, de distinguer clairement deux aspects : le niveau technique de l’exécution et la signification de chaque image dans le contexte culturel qui l’a produite.

Force est de constater que les progrès dans l’adoption de l’expérience occidentale dans le premier volet, technique, ont largement dépassé les progrès dans le second volet. C’est inévitable : un photographe qui a grandi dans un environnement différent a beaucoup de mal à saisir les significations intuitives encodées dans les photographies européennes, tout comme notre artiste est physiquement incapable de prendre à cœur les problèmes qui perturbent les Européens pour en parler dans un langage intuitif avec un spectateur européen, quels que soient les efforts qu’il déploie pour imiter les chefs-d’œuvre européens les plus bruyants.

« Dans toute image, il y en a toujours deux : le photographe et le spectateur. ».

Ansel Adams

Il n’est pas nécessaire d’aller très loin pour trouver des exemples. Chaque photographe débutant, s’il s’y essaie un tant soit peu, est capable de maîtriser les techniques professionnelles que l’on trouve dans la photographie de mode occidentale contemporaine par exemple . Mais peu de gens comprennent véritablement la photographie d’art occidentale moderne, plutôt que les photographies appliquées, comme celles de la mode et de la publicité…

Il ne s’agit pas seulement des expériences de quelqu’un – même le travail d’Andreas Gursky, dont le statut de maestro est sans cesse confirmé par des millions de ventes, provoque un léger malaise : ne sommes-nous pas en train de nous faire avoir ?? Quel est ce Warhol de nos jours? Et seuls les nombreux zéros dans les rapports de vente aux enchères sont en quelque sorte rassurants. Il semble qu’ils ne se laisseront pas berner pour une telle somme.

Où allons-nous avec ça ?? Gursky n’est qu’un exemple pour plus de clarté. Le fait est que nous apprenons les astuces techniques et même simplement les remarquer beaucoup plus rapidement que les astuces sémantiques. Cette situation n’est pas idéale, mais elle est omniprésente. Et la conclusion est des plus banales : il faut apprendre! Non seulement le « comment » mais aussi le « quoi », le « à propos de » et le « pourquoi ». Puisque nous parlons de l’origine de l’auteur, il serait bon d’essayer de faire en sorte que votre tête ne soit pas loin derrière vos propres mains. Et ça arrive, oh ça arrive!

« La photographie en elle-même ne m’intéresse pas. « Je veux seulement attraper un petit bout de la réalité ».

Henri Cartier-Bresson

Bon tournage!

Les prises de vue en studio bien qu’il ne s’agisse ici que de deux boîtes à lumière dans une pièce ordinaire doivent être remplies autant que possible d’un contenu allégorique, car leur signification littérale risque d’être banalisée. Le masque – le vivant et l’inanimé, la fille nue et la mascarade à la fois, la mère et l’enfant – plusieurs questions « éternelles » s’entassent ici, et les photographes y répondront jusqu’à la fin du siècle. Comme à l’époque du cinéma, l’obscurcissement ou l’éclaircissement local rendu possible par l’impression à l’époque reste un moyen d’expression puissant. Tout le côté droit du cadre est assombri et les visages de la fille et de la poupée sont mis en évidence.

Canon EOS 5D, 70-200/4L à 105mm, ISO 200, 1/125c, f/11, mode manuel.

L’un des sujets que nous voyons par dizaines chaque jour, j’ai juste réussi à le sortir du flux visuel cette fois-ci. Le cadre se décompose en un certain nombre de parties aux liens ambigus, et leurs corrélations constituent son principal intérêt, même si le lien évident entre la marquise écarlate au sommet et son reflet dans le miroir rond est sans aucun doute dominant… Le cadre a dû être ajusté dans Photoshop en éclaircissant le bord du rideau oblique et les détails blancs aveuglants à gauche de l’auvent ont été assombris pour qu’ils ne soient pas la partie la plus lumineuse du cadre. Pris en flagrant délit de fuite dans une rue commerçante de Kemer, en Turquie.

Canon EOS 5D, 24-105/4L à 47mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, compensation d’exposition -1/3, priorité d’ouverture.

Prendre des photos en studio demande avant tout de l’imagination, un style facile, une absence de paresse et parfois une touche de hooliganisme désinvolte. Les détails expressifs sont extrêmement importants, comme ici les faux cils et le diadème improvisé. Le monochrome supprime les informations colorées inutiles et crée une image monolithique.

Photo par Yegor Naryzhnyy.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2,8L à 95mm, ISO 100, 1/200 sec, f/9, mode manuel, lumière de studio.

il arrive souvent que l’on photographie un espace que l’on aime, puis, en regardant l’image sur le moniteur, on se rend compte qu’il ne s’agit pas d’un cadre, mais d’un bon arrière-plan pour une prise de vue ; il ne manque aucun personnage ni aucune action. J’ai pris ce cliché car j’étais intéressé par le graphisme des ombres et des colonnes, mais il est très possible que si le vent ne soufflait pas et que la nappe de la table du fond n’emportait pas le cliché, il aurait fini dans la section « Lieux où il ne se passe rien » des archives, comme beaucoup d’autres. Première conclusion : lorsque vous prenez une photo, observez l’état de tous les détails du cadre et réagissez rapidement et intuitivement. Deuxième conclusion : faire plus de prises. Cette photo est l’une des cinq prises, et bien qu’elles aient toutes été prises en une minute, elles sont toutes différentes sur l’écran.

Le traitement dans Photoshop a été réduit à la saturation des couleurs et à de légers ajustements de la luminosité.

Canon EOS 5D, 24-105/4L à 45mm, ISO 100, 1/400 c, f/10, correction d’exposition +1/3, priorité à l’ouverture.

Voici la boutique d’un tailleur dans une rue nocturne de Vientiane, au Laos. La nuit, les mannequins aux vestes inachevées, dans la lueur sans vie des lampes fluorescentes, ont un aspect très significatif.

La photographie de nuit est une source inépuisable de sujets bizarres – dans le bon sens du terme – qui présentent des choses familières d’une manière inhabituelle. Vous n’avez pas besoin d’un trépied pour cela – un stabilisateur et un appareil photo tolérable à des sensibilités élevées vous donnent une grande marge de manœuvre et vous permettent de maintenir une réponse directe, alors qu’un trépied exige une approche judicieuse… La prise de vue de scènes nocturnes, du moins en couleur, a été totalement modifiée par la numérisation : dans les diaporamas, il fallait effectuer des dizaines de mesures avec un bon spotmètre, mais aujourd’hui, il suffit d’une prise de vue rapide et d’une correction rapide…

Les photos de nuit sont également intéressantes, car elles permettent une explosion de couleurs sous une lumière artificielle. La prise de vue en format RAW est fortement recommandée.

Canon EOS 5D, 24-105/4L à 40mm, ISO 1600, 1/10 sec, f/5.6, compensation de l’exposition -1, priorité à l’ouverture.

De la série « La vie des mannequins ». Les gazouillis excessivement joyeux des jeunes mannequins féminins lors des séances de photos de mode peuvent conduire à un type de hooliganisme qui reflète la division séculaire de la perception masculine des femmes en deux parties inégales : au-dessus et au-dessous du cou. À ce moment-là, j’ai pensé qu’il valait mieux ne pas mettre ma tête dans le cadre…

Néanmoins, l’image est apparue assez intégrale, vivante et émotionnelle, et même « réchauffée » par la palette de couleurs saturées.

Pentax 645, 75mm, Ektachrome 100S, 1/60c, lumière de studio.

Une scène de rue à Istanbul dans l’esprit du reportage des années 1950-60 : un instant fugace, un regard expressif, un préambule obscur… Ce style est le résultat d’une réflexion créative sur les possibilités techniques de l’instantané sans longs préludes, et sa philosophie est basée sur la fugacité et l’unicité du moment, l’esthétique de l’instant fugace. Il est dommage que, lorsque le talent technique des appareils photo s’est encore accru et que la capacité de saisir une fraction de seconde dans le flux du temps est devenue une évidence, il a cessé d’inspirer les photographes.

Olympus E-3, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 à 23mm Eq. 46mm , ISO 100, 1/160s, f/4.5, compensation d’exposition -1/3, priorité d’ouverture.

Il y a deux « protagonistes » dans cette photo : le mur de la cathédrale et la silhouette noire au premier plan. Il n’est pas évident de savoir lequel des deux est « plus important », et cette ambiguïté est à l’origine de la tension du sujet.

Il est intéressant que le côté gauche du cadre semble un peu creux, mais il résiste activement aux tentatives de recadrage ou de réduction plusieurs essais ont montré qu’il vaut mieux le laisser tel quel .

Appareil photo Pentax 67, 90 mm, film noir et blanc.

La traduction en noir et blanc a souvent pour effet de mettre l’accent sur la texture, aussi variée que la mer de la vie, et de la placer au centre de l’image. Le centre sémantique de cette photo, prise au bal de fin d’année, est le dos musclé de la fille, tout le reste est sa toile de fond, son habitat si vous voulez, et le laçage est une sorte de piédestal. De même que le roi est fait par son entourage, le centre de la prise de vue sujet, composition, etc. l’est aussi. d. ne vit pas sans de nombreux détails subordonnés et secondaires, qui prennent beaucoup plus de place dans le cadre que le centre lui-même. La conclusion pratique est donc la suivante : ne soyez pas pressé de recadrer des détails sans importance, et si vous décidez de couper, remettez la version initiale combinaison de touches Ctrl+Z et vérifiez si le plan s’est amélioré et s’il n’a pas perdu des éléments de composition non évidents mais importants. Photo par Yegor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L à 70mm, ISO 1250, 1/160s, f/5, priorité d’ouverture.

Les détails architecturaux peuvent être expressifs, et parfois ils semblent même vivants – comme ici, où une fenêtre en brique dans une vieille maison romaine communique avec une ouverture circulaire depuis des siècles si seulement vous saviez de quoi il s’agit . Le plan original était beaucoup plus grand pour une raison prosaïque : à l’époque, je n’avais pas encore économisé pour un téléviseur pour cette caméra et le cadrage a montré qu’il était préférable de couper le cercle « tel quel » et de ne pas jouer avec les proportions du mur vide en dessous et au-dessus de la fenêtre.

Appareil photo Pentax 67, 90 mm, film noir et blanc.

Les murs texturés des vieux quartiers d’Athènes sont une sérieuse tentation pour le photographe. Comme toujours, la gamme noir et blanc met l’accent sur la texture, et il y en a beaucoup ici : des feuilles sombres et nettes, des murs rugueux et des allées blanchies à la chaux. Les plans actifs mur sont extraordinairement expressifs en soi, mais nécessitent une mise en scène soignée des détails d’accentuation et de leur environnement. Pour un résultat intéressant, il faut de la pratique et une observation minutieuse.

Pentax 67, 55mm, film noir et blanc.