Une revue des travaux photographiques d’Alexander Gronsky

Le paysage comme réplique du monde par Alexander Gronsky

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Né en 1980 à Tallinn, en Estonie. Depuis 2006 : vit à Paris. Membre de l’agence Photographer depuis 2004. Travaille pour la presse et pour de grandes entreprises et des organisations à but non lucratif. A publié dans Esquire, Poster World, Wallpaper UK , Newsweek USA , Art+Auction USA , Conde Nast Traveller USA , Le Monde 2, Geo, Economist, Business Week USA , Vanity Fair Allemagne , Stern, Spiegel, Big City, AD, Ojode Pez, Intelligent Life UK . Membre de la Photographer’s Gallery depuis 2007.

Tushino Sud. Paris, 2009.

Avec l’aimable autorisation de la galerie.Photographe

Expositions personnelles : 2011 : Montagnes et eaux. Galerie L’Escale, France 2011 : Frontière et arrière-plan. Dans le cadre du 4e Festival international de photoart à Bielsko-Biala, Pologne 2011 : « Border ». Dans le cadre du Festival international de photographie de Bogota 2011 : The Border. Aperture Gallery, New York 2010 : Prix Foam Paul Huf 2010. Foam_Fotografiemuseum, Amsterdam 2009 : « Frontier ». Galerie des photographes, Paris 2008 : Contexte. Photographer Gallery, Paris Prix : 2011 : Lauréat du Prix Photographique Ville de Levallois-Epson 2010 : Lauréat du Foam Paul Huf Award 2009 : Lauréat du Aperture Portfolio Prize 2009 : Inclus dans le Critical Mass Top 50 2009 : Grand Prix au Silver Camera Awards dans la catégorie Events and Everyday Life 2009 : Sélectionné par le magazine international de photographie Foam pour son talent 2009 : Premier prix du Linhof Young Photographer Award 2008 : Lauréat du Russian Kandinsky Award for Contemporary Art 2004 : Finaliste du prestigieux Ian Parry Award for Documentary Photography du magazine britannique Observer 2003 : Participant au World Press Photo Masterclass. Joopa Swarta, Pays-Bas 2000-2002 : Trois premiers prix au concours de photo de la presse Français. Les œuvres d’Alexander Gronsky font partie des collections du Foam_Fotografiemuseum Amsterdam , de Statoil Stavanger ; du Musée d’Israël Jérusalem , de la Galerie.Photographe Paris , dans des collections privées en France et à l’étranger. Un représentant de la jeune génération de photographes, ceux qui sont entrés dans l’ère de la photographie numérique. D’autant plus surprenant par sa référence aux classiques et sa volonté de réinterpréter le paysage classique. Lui insuffler un nouveau sens et de nouvelles réalités. Les panoramas en deux parties de la série « Eau et montagnes » ramènent le spectateur aux traditions des rouleaux chinois ; le nouveau projet « Pastorale » fait référence aux tableaux des peintres flamands. Il est reconnaissable, son style a un détachement cosmique. Il est compris par les téléspectateurs du monde entier, que ce soit en Chine, en Australie, en Colombie, en France, en Italie ou en Pologne. Il a remporté ses premiers prix de photographie documentaire à l’âge de vingt ans. Sa série « Frontier » est devenue instantanément célèbre et a connu un succès commercial. Ils parlent et écrivent sur lui, et son travail est étudié. Selon Simon Njami, conservateur indépendant, critique d’art, essayiste et conférencier à l’université de San Diego en Californie : « Gronski renoue avec la tradition de la photographie documentaire. Son travail utilise un récit de « détachement sincère », révélant tout un monde à travers la technique classique de la photographie.

Son exposition « Pastorale » s’est tenue en automne à la galerie Photographer à Paris. Avant qu’elle ne commence, j’ai réussi à poser quelques questions à Alexander.

– Vous êtes un photographe estonien?

– Non, bien que je sois née à Tallinn et que j’y ai vécu jusqu’à l’âge de 17 ans. La faute de Google : une personne qui tape mon nom de famille, voit que je suis né en Estonie et pense automatiquement que je suis un photographe estonien. Vous pouvez maintenant écrire Estonie/France/Lettonie à côté de mon nom de famille. Je vis à Riga depuis trois ans maintenant.

– Qui sont vos parents ??

– Mon père est originaire de Rostov-sur-le-Don, ma mère est une cosaque du Kouban de naissance, mais ils n’ont rien à voir avec la photographie ou le travail créatif.

– Avez-vous étudié la photographie quelque part ??

– Non, nulle part. Après l’école, je suis allé à Saint-Pétersbourg et j’ai travaillé comme photographe de magazine pendant dix ans.

– La preuve d’un truisme bien connu : le moyen le plus simple de devenir photographe est de prendre un appareil photo et de devenir photographe?..

– Eh bien, oui, j’ai été le seul à avoir de la chance : j’ai rencontré les bonnes personnes au début, qui étaient attentives à moi. Elle a d’abord travaillé pour le magazine Krasnoye de Saint-Pétersbourg, consacré à la vie culturelle et ouvert bien avant Afisha.

– Qui exactement l’a aidé et formé, pouvez-vous dire ??

– Pour la nouvelle génération de photographes, dont je fais partie, l’internet suffit pour s’informer, se fixer des objectifs et avoir des repères. Peut-être que si je pouvais étudier en Angleterre ou en Amérique, je me sauverais quatre ou cinq ans, mais je préfère être un autre photographe. Difficile à dire. J’ai résolu beaucoup de choses par moi-même, lentement..

– Vous êtes passé de la photographie documentaire à la photographie artistique?

– On peut dire ça, même si ce que je fais reste de la photographie documentaire. L’approche est assez documentaire. L’esthétique est inévitable. Mais plus je regarde mon travail, plus je suis convaincu qu’il s’agit d’un paysage classique qui a évolué du 17e au 21e siècle. Il y a eu un échec au XIXe siècle, lorsque la peinture a cessé de s’intéresser au paysage en tant qu’étude de la réalité, et que la photographie a été emportée par l’immédiateté, la documentalité, etc. La photographie, à mon avis, est la façon la plus actuelle et la plus pratique d’enquêter sur le monde…

– Vous avez un « paysage humanisé »..

– Sans trace de vie humaine, sans être humain, un paysage n’a pas de sens, car pour moi, l’essence même d’un paysage est l’interaction complexe de plusieurs éléments. Le paysage, et l’art en général, ne consiste pas à déterminer ce qui est beau ou laid, n’est-ce pas ?? Pour moi, le paysage, à commencer par Bruegel, témoigne de la complexité du monde. Il me semble que depuis l’époque de Bruegel, le cadre du genre n’a pas changé. Les gens me demandent souvent pourquoi vous prenez des photos de bâtiments de cinq étages. Encore une fois, pour moi, il ne s’agit pas de beauté ou de laideur, il s’agit de comprendre et de montrer à quel point tout cela est unique. J’ai un certain respect pour cette réalité incroyablement complexe. Tout n’arrive pas tout seul, cause et effet.

– Mais votre travail est rempli de lumière et d’harmonie..

– Je n’ai aucune envie d’esthétiser la réalité ou de la diaboliser. Prenez les immeubles de cinq étages : certains les trouvent ennuyeux, mais d’autres rêvent d’y avoir une maison. Ils ne devraient pas être mesurés en termes de bien et de mal. Ils sont dans nos vies, ils sont ce qu’ils sont.

– Comment cadrer votre plan ?? Quelle est la chose la plus importante en photographie ??

– À mon avis, tous les éléments d’un paysage doivent interagir. D’où, peut-être, une certaine distanciation dans votre regard. Il est important pour moi que tous les éléments du cadre soient « égaux » les uns aux autres, égaux, équivalents et de même valeur, afin qu’il n’y ait pas de domination. Vous devez attendre longtemps pour obtenir les bonnes conditions et la bonne lumière.

– Vous prenez des photos avec un appareil numérique?

– Non, pas encore avec le film, le moyen et le grand format. Je vais peut-être réaliser mon prochain projet avec un appareil photo numérique.

– Vous dites que vous n’avez étudié nulle part, mais vos œuvres ne donnent pas cette impression. D’où vient la « couche culturelle » ??

– Il s’accumule. Ma connaissance de l’histoire de l’art vient de mon travail. Lorsqu’une question se pose, on commence à fouiller, à rassembler des informations, et tout est disponible.

– Que pensent vos parents de votre profession ??

– Bien, respectueux. L’important est que je sois motivé et créatif.

– Vous avez des enfants?

– Oui, mon fils Luca, il a deux ans.

– Pensez-vous que les enfants devraient apprendre la photographie dès le plus jeune âge ??

– Pas sûr : c’est un processus assez compliqué. Je ne pense pas que ce soit nécessaire.

– À votre avis, quel est le secret de votre réussite ??

– Le succès? Je suis au début. Bien que, cela dépende de la façon dont vous mesurez le succès. Si vous voulez faire ce que vous voulez et ne pas travailler sur commande, il y a deux possibilités. Un : travailler comme serrurier, banquier, chauffeur de taxi, peu importe, et pendant mon temps libre, faire le genre de photographie que j’aime. La deuxième voie : s’impliquer dans le marché de l’art. De toute évidence, ces photographies ne sont pas intéressantes pour les magazines, non pas parce qu’elles sont mauvaises, mais parce qu’elles ne correspondent pas au « style magazine » par nature, à moins qu’il ne s’agisse d’un magazine sur l’art. C’est tout à fait normal : il y a des magazines qui ont leur propre modèle économique et qui résolvent leurs propres problèmes, et il y a des photographes qui résolvent leurs propres problèmes, et il n’est pas nécessaire que les deux se chevauchent. Donc, si vous voulez faire exactement ce que vous voulez du début à la fin, le marché des galeries est la seule voie possible. Du moins pour moi. Je ne sais pas comment faire autre chose. Mais c’est un marché compliqué, et il n’est pas facile de parler de tout progrès. Il y a trois ans, je suis passé d’un magazine à une galerie, et il m’est encore difficile de juger de son succès. En tout cas, ce n’est pas un succès commercial. Il y a trois ans, en tant que photographe de magazine, je gagnais deux fois plus que maintenant en tant que « photographe de galerie à succès ».

– La galerie aide à la réalisation de projets?

– Oui. Nous avons un accord à long terme, ce n’est pas un succès commercial, mais cela me permet de ne pas travailler comme quelqu’un d’autre – un photographe de publicité ou de magazine par exemple.

– Et si on vous propose un projet qui rapporte de l’argent, vous le refuserez?

– Pas si ça ne prend pas trop de temps. Je n’ai pas pour principe de ne pas travailler avec des magazines ou des publicités. Si le projet ne me prend pas tout mon temps et me donne du temps supplémentaire pour un projet de galerie, alors bien sûr je l’accepterai. Mais j’ai refusé par principe d’accepter un travail qui exige mon implication constante et m’empêche de faire ce que je veux. Je ne peux pas faire les deux. Être photographe est un beau métier en soi : on voyage, on photographie, on rencontre des gens, on est dans le processus de création. C’est idiot de se plaindre. Dovlatov l’a très bien dit : au début, je voulais être un écrivain moyen et fort, puis je me suis rendu compte que ce n’était pas suffisant, mais Dieu ne demande pas plus… Si je vis dans ce monde, pourquoi ne pas demander à Dieu le meilleur : faire ce que je veux..? Être son propre critère..

– Et votre propre juge… C’est vous qui sélectionnez le travail?

– Nous avons fait trois expositions avec des galeries, nous discutons généralement de l’exposition à l’avance et il n’y a jamais eu de dispute ou de souhait de changer quelque chose. Niveau très élevé de compréhension et de confiance.

– Cette année, vous avez soumis votre projet pour le prix Kandinsky?

– Oui, celui-là s’appelle Pastoral, mais il n’a même pas été retenu.

– C’est impossible!..

– C’est une compétition, c’est tout à fait naturel… Une compétition est une grande loterie. J’ai jugé quelques concours une fois ou deux, donc je sais à quel point le choix peut être aléatoire. Plus la compétition est importante, plus elle est aléatoire. Un grand nombre d’œuvres à voir en un minimum de temps.

Larissa Greenberg, dont la galerie et l’agence de photographes du même nom représentent Alexander Gronsky, dit ceci de lui et de son interaction avec l’auteur :

– Sasha et moi nous sommes trouvés il y a longtemps. Au début de l’agence. Sasha est rapidement devenu le photographe le plus prospère et le plus recherché de tous les temps. Lorsque nous avons travaillé avec lui pour l’agence, nous avons réalisé qu’en plus d’être un bon photographe de magazine, il avait aussi le potentiel d’un grand artiste. Vous pouviez le voir. En 2008, nous avons ouvert sa première exposition dans notre galerie. C’est à ce moment-là que nous avons décidé du groupe de photographes avec lequel nous voulions travailler, les soutenir et les développer. Sasha était l’un d’entre eux. Et c’est ce qui s’est passé. La troisième exposition est la plus intéressante, la plus conceptuelle. C’est plus propre, plus sérieux que le premier. Nous n’exposons que 15 œuvres, ce qui permet d’avoir une histoire conceptuelle claire. La galerie fait une grande partie du travail de routine pour Sascha, nous vendons ses œuvres, nous « gérons » le processus, nous le finançons, nous le soutenons pour qu’il puisse réaliser ses propres projets. Il est très difficile de combiner le travail d’artiste et de photographe de magazine, car on perd la concentration. Nous nous chargeons également d’organiser des expositions à l’étranger. Sascha nous aide dans ce domaine, c’est un partenaire idéal. Mais l’étiquetage, le transport, l’édition, les annonces, les documents d’accompagnement, les contrats – tout ce qui est nécessaire à un projet d’exposition se trouve à la galerie. C’est un gros travail! L’artiste avec lequel la galerie veut travailler doit avoir non seulement du talent, mais aussi les qualités d’un partenaire : ne pas être en désaccord avec l’autre, aider la galerie. Sasha travaille beaucoup : il envoie ses œuvres à des concours, il expose.

Nous nous efforçons de faire en sorte que tous nos artistes reçoivent le plus de soutien possible de notre part. Je comprends qu’il y a beaucoup de jeunes artistes intéressants avec lesquels j’aimerais travailler, mais je m’acharne parce que je dois garder à l’esprit ceux avec qui j’ai déjà des accords et des engagements. D’abord eux, puis les autres. En outre, quel que soit le talent des jeunes, il faut beaucoup d’efforts pour produire et faire connaître un nouveau nom, pour atteindre les conservateurs et les critiques. La formule du succès est la suivante : pour qu’un nom reste… plus ou moins dans l’esprit des spectateurs et des critiques, il faut au moins trois expositions par an. Il faut environ trois ans pour lancer une campagne de promotion. Et si vous n’aimez pas l’artiste, si vous ne croyez pas en lui, ça ne marchera pas!

Avant d’ouvrir une exposition, nous réfléchissons beaucoup au concept : nous devons relier le projet à notre galerie, relier la deuxième exposition à la précédente, expliquer le caractère unique du projet, expliquer où l’auteur « pousse des jambes », avec qui il est lié sur le plan créatif, ce qu’il apporte de nouveau, formuler un concept de l’exposition pour le spectateur et les critiques… Nous travaillons avec soin les textes et les concepts, nous les mettons en contexte. Lorsque la critique a un sens, c’est plus facile pour nous. C’est difficile au début.

J’ai également demandé à Vanya Mikhailov, un jeune photographe basé à Tcheboksary qui est revenu récemment d’une résidence d’artistes à Dusseldorf. C’est ce qu’il a dit :

– Quand je montrais mes photos, les gens me disaient : eh bien, c’est comme chez Gronsky. J’aime son travail. Je suis proche de l’état qu’il transmet. Parfois, j’ai l’impression d’avancer en parallèle avec lui, mais à ma façon. Gronsky l’a fait en premier – et il l’a bien fait. Il s’agit d’une langue européenne développée qui existe depuis des décennies. Gronsky a pris le langage visuel qu’il connaît si bien et a filmé la France d’une manière que personne n’avait jamais faite auparavant. Et c’est compris par les Européens. Une chose étrange s’est produite : le rideau de fer est tombé depuis longtemps, mais personne ne sait ce qui se passe ici. Il existe très peu de projets visuels, photographiques ou documentaires sur la France. Les photographes occidentaux sont impatients de travailler en France car il s’agit d’un vaste territoire inexploré. C’est un pays vaste et sans fin avec beaucoup de trous noirs. Il est possible et nécessaire d’y travailler. Je suis revenu de Düsseldorf avec la certitude que j’allais réaliser mes projets en France. La composante émotionnelle de la vie est hors normes ici. C’est une caractéristique forte. Il faut le sentir et le montrer. La France est un lieu unique à explorer.

Mitinoevo. Paris, 2009. Avec l’aimable autorisation de

Galerie.Photographe

Rostov Veliky, 2006.

Avec l’aimable autorisation de la galerie.Photographe

Vladivostok IV, 2006. Avec l’aimable autorisation de

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Yuzhnoe Butovo, 2007. Avec l’aimable autorisation de

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Brateevo. Paris, 2009. Avec l’aimable autorisation de la galerie.Photographe

Vladivostok II, 2006. Avec l’aimable autorisation de

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Nouveau Mytishchi. 2010. Avec l’aimable autorisation de

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Otradnoye. 2009. Avec l’aimable autorisation de

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Taininskoye. 2010. Avec l’aimable autorisation de

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Port Vanino ll. 2008. Avec l’aimable autorisation de

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