Kirill Ovchinnikov : la vie est une succession de moments

Kirill Ovchinnikov – artiste, designer, journaliste et photographe professionnel Français. Né, a vécu et a travaillé à Paris. Éducation : Faculté des arts et des arts graphiques. Membre de l’Association internationale des artistes graphiques depuis 1990. Collaboration avec les principaux magazines Françaiss et étrangers :  » Russian Reporter « ,  » Snob « ,  » Around the World « ,  » Architectural Digest « ,  » Elle « ,  » Elle Decor « ,  » Esquire « ,  » Harper’s Bazaar « ,  » L’Officiel « ,  » Newsweek « ,  » N. G. Traveller, Vogue, Wallpaper, etc. Travaille avec des agences et des sociétés de publicité.

Expositions : Musée d’art multimédia de Krymsk. Témoins. Discours direct Paris, 2013 . The Art Photography Show San Diego, États-Unis, 2009 . « Mode et style en photographie » Paris, 2005, 2009 . « Le jour des morts au Mexique ». Musée d’architecture Pouchkine. Galerie Shchusev Paris, 2008 . Best of Russia Paris, 2008-2014 . CEH « Manezh » Paris, 1990-1995 .

Prix : International Photography Awards 2013 . Prix de l’araignée noire et blanche 2012 . Prix Hasselblad Masters 2008, 2010 . Association nationale des photographes de presse 2013 . Le salon de la photographie d’art 2009 , etc.

Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées.

Kirill Ovchinnikov. Photo : Lilia Khafizova

Liya Khafizova

BEGINNING

– Depuis l’enfance, je dessine beaucoup, je suis allé dans une école d’art, je me suis intéressé à l’histoire. Après la 8e année, il s’est inscrit au collège 1905 – il n’y est pas entré. J’ai fait une école d’art et de théâtre, je n’ai pas aimé pendant un an. N’a étudié nulle part pendant un an. Diplômée en trois mois d’une école du soir pour jeunes travailleurs, elle a obtenu un diplôme d’études secondaires. A travaillé comme mouleur dans une aciérie. J’ai étudié au département d’histoire de l’université. Je n’ai pas été accepté, j’ai rejoint l’armée.

J’ai rencontré un peintre de l’entreprise de décoration de l’armée. Ils décoraient le gymnase et la salle de réunion. Je me suis souvenu que j’étais aussi un artiste et j’ai commencé à peindre avec eux. Après l’armée, il savait exactement ce qu’il devait faire pour poursuivre son travail artistique. Travail de la peinture à l’huile. J’ai apporté mon travail au Manège où se tenait l’exposition annuelle des artistes de l’Union et où, comme on dirait aujourd’hui, siégeait le comité de sélection. J’ai été immédiatement accepté dans l’Union des artistes graphiques. Après ça, j’ai cru en moi. J’ai continué à écrire. Je me suis inscrite au département d’art de l’université, j’ai continué à travailler et à étudier au département du soir.

J’ai obtenu mon diplôme de l’institut et j’ai travaillé dans une école, ce qui était un must pour les jeunes professionnels. A travaillé comme professeur de dessin et de peinture pendant un an. J’avais 21 ans, j’avais ces gros fronts qui arrivaient, je devais les dompter, alors je les frappais avec une règle. Travaillé. Painted. Mais la Perestroïka est arrivée et tout a changé. Le projet de vie – rejoindre l’Union des artistes, travailler sur commande, concevoir des clubs, des piscines et des maisons de la culture – a fondu.

PERESTROIK

– Les années 90 sont arrivées. J’allais à Izmailovo, j’essayais de vendre mes œuvres aux étrangers à Vernisage, je participais à des expositions. En 1996, j’ai décidé que la peinture était terminée. Il avait une famille, deux enfants. Je devais les soutenir. J’ai tout abandonné et je me suis lancé dans le commerce. Commerce à Luzhniki, aller en Turquie pour acheter des marchandises. C’était excitant, excitant au début : la Turquie, les sacs, les navettes… « J’ai été partout en Turquie. J’ai roulé et écrit des journaux intimes. L’un d’eux a été publié dans le magazine Medved. J’ai pensé : « C’est génial! C’est ce que je ferai à l’avenir. J’ai beaucoup travaillé avec l’Ours et j’ai même réalisé quelques productions photographiques.

En même temps, j’ai écrit des articles pour d’autres magazines. Un ami architecte m’a fait découvrir le magazine World and Home. J’ai écrit des textes sur les intérieurs. C’était une chose stupide à faire. Je voulais faire quelque chose d’intéressant, et que peut-on écrire d’intéressant sur un intérieur? J’ai inventé des histoires fantastiques, j’ai même gagné un prix pour un essai sur un studio de design. J’ai ensuite décidé de me tourner vers le côté artistique et j’ai commencé à concevoir le magazine. J’ai combiné mes fonctions de directeur artistique et de rédacteur photo. J’ai appris et passé trois ans à faire la mise en page du magazine, et j’y ai appris à connaître différents photographes. Je n’ai même pas pensé à le tourner moi-même. J’ai agi en tant que réalisateur et producteur du tournage.

V V V V V

– Un jour, en regardant une photo, j’ai pensé : « La photographie, c’est comme la peinture, mais en plus rapide. ». J’ai dit au rédacteur en chef : « Nous payons tellement les photographes pour leur travail. « Achète-moi un appareil photo, je prendrai mes propres photos! ».

Le rédacteur en chef ne s’est pas rendu compte qu’en faisant cela, il pouvait perdre le directeur artistique. Il a dit : « C’est génial! »- et m’a acheté un appareil photo. Je me suis promené avec une caméra pendant six mois, j’ai lu quelques livres. On m’a immédiatement demandé de photographier des maisons, de nouveaux bâtiments. Ça s’est bien passé. C’est comme ça que j’ai commencé à tirer. Salon Interior était le premier magazine Français de décoration intérieure et il était très prestigieux d’y figurer. On m’a confié la prise de vue d’un arrangement floral. J’ai photographié à pleine ouverture, ce qui était une innovation dans la photographie d’intérieur à l’époque. L’explication était simple : je n’aimais pas l’artificialité du flash. J’avais un appareil photo pour bébé avec un objectif Fresnel que m’avait offert Dima Livshits, et j’essayais d’utiliser la lumière naturelle autant que possible. J’ai toujours aimé la lumière naturelle et compris comment elle fonctionne. Le magazine m’a dit : « Kirill, tu sais comment prendre des photos aussi nettes, pourquoi ne prends-tu pas plus de photos comme ça… ».

Il y a une histoire intéressante derrière le magazine Interieur + Design. Le photographe qui devait prendre des clichés de Giulio Cappellini, architecte et star du design italien venu à Paris pour quelques jours, a refusé ou est tombé malade. Ils m’ont demandé je me trouvais là par hasard – je crois que j’ai apporté mon premier tournage . J’y suis allé. J’ai dû le tourner dans un salon intérieur. Beaucoup de meubles, des gens, je crois qu’il y avait un buffet. Je me dis : « Où puis-je le filmer ?? ». De l’autre côté des fenêtres, c’est l’hiver, il neige. Je l’ai emmené dehors et l’ai photographié dans sa veste et ses bottes dans la neige devant ses propres publicités rouges et blanches. C’était intéressant et, à l’époque, assez avant-gardiste. Ils l’ont tous aimé et l’ont publié.

Comme Cappellini m’a demandé de lui apporter des photos, je suis allé le voir le lendemain avec des négatifs fraîchement imprimés. Un Italien, qui avait été photographié par un million de photographes, l’a regardé et a dit : « Je vous achète ces photos pour ce qu’elles valent? ». – « Cent dollars », j’ai dit la première chose qui m’est passée par la tête. Il a tout acheté et j’ai pensé que c’était un bon signe pour son premier emploi. Après ça, j’ai fait beaucoup de portraits différents pour différents magazines. J’ai toujours aimé photographier les gens – plus que les intérieurs. J’aime photographier les intérieurs, calmes et mesurés, comme une séance d’entraînement. Préparation de la prise de vue, travail sur la lumière. Ça me rappelle la façon dont les peintres peignaient les natures mortes. Travail de studio tranquille.

MEXICO. LIVAN. POINT DE VIRAGE

– Dès que j’ai eu l’occasion de faire de la photographie de voyage, j’ai sauté sur toutes les occasions d’aller quelque part… Je suis allé au Mexique pour « Around the World ». En outre, à la place du merveilleux Boris Bendikov, qui a été approuvé mais n’a pas pu y aller à cause d’un coup de publicité. Il m’a recommandé. L’article « Le jour des morts au Mexique » a été exposé au musée de l’architecture, où j’ai rencontré Andrei Polikanov, directeur photo du magazine « Russian Reporter ».

Nous travaillons ensemble depuis de nombreuses années maintenant. Mon premier appareil photo était un Asahi Pentax de format moyen, puis un appareil à cardan. Je n’avais jamais tourné avec une caméra de reportage, et je voulais faire du reportage. Mais vous ne pouvez pas vraiment filmer avec un cardan sauf si c’est une ville ravagée par la guerre . Je suis allé à TASS et j’ai dit que je voulais aller au Liban, je n’avais pas besoin d’argent, juste d’une mission. Ils ont accepté, j’ai acheté un Hasselblad et je suis allé à Beyrouth où les bombardements venaient de se terminer. J’y ai tourné l’histoire de Joyeux Noël au Liban. l’a envoyé à un concours international – il a remporté la deuxième place. C’était mon introduction à la photographie documentaire.

– De nos jours, on vous commande souvent des portraits et des intérieurs?

– L’ère de la popularité totale des magazines est révolue. Ils réduisent les commandes. Cela arrive de moins en moins souvent. Parfois, je fais des portraits pour Vogue et Bazaar. Je photographie en numérique, en couleur, et je n’aime pas vraiment ça. Je suis à un tournant en ce moment. Peu de clients qui veulent quelque chose d’inhabituel, de créatif. La plupart d’entre eux veulent quelque chose de clair et de standard.

– Mais il y a toujours des clients qui veulent quelque chose qui sort de l’ordinaire?

– Pour Le voyage de Kargopolsky, j’ai filmé de la manière dont j’ai toujours voulu le faire : pas un produit, mais un art. Ce n’est pas tant le caractère inhabituel que la confiance dans votre goût et vos perspectives, en l’absence de cadre artistique. Quand les gens disent « Nous n’avons pas besoin d’art », vous n’avez pas d’art.

– Quelle belle histoire qui s’est avérée être!

– Il en a été de même avec la HPP Sayano-Shushenskaya pour Rosgidro, lorsque j’ai participé au projet People of Light.

PHOTOGRAPHIE ET PEINTURE

– Votre éducation « picturale » vous aide-t-elle ou vous gêne-t-elle en tant que photographe ??

– La première pensée qui me vient à l’esprit lorsque je m’apprête à réaliser une image est de savoir comment cadrer ou positionner les éléments sur la toile. Dans ce cas, il n’y a pas de différence entre la peinture et la photographie. C’est la façon dont vous le positionnez et dont vous réglez la lumière.

– Imaginez que vous avez des garçons de 12 ans qui viennent étudier. Quelle est la première mission que vous leur confieriez ?? Où commencerais-tu ton premier cours de photographie ??

– De l’histoire de l’art et du dessin. On les ferait s’asseoir pour dessiner une pyramide, un cube et une balle. Je ne voudrais pas que ce soit comme dans une école d’art – ils veulent vous apprendre le trait – je me limiterais au trait. Ensuite, je vous suggère de faire un croquis d’un paysage in situ. Parce qu’un croquis vous apprend à capturer l’essence et à transmettre l’image. Lorsque j’ai commencé à photographier, j’essayais de comprendre la différence entre la photographie et la peinture. Essayer de comprendre ce qu’est la photographie. J’ai regardé beaucoup de photos différentes.

– Dites-nous comment vous réalisez des portraits. Le portrait me semble être le genre de photographie le plus difficile, malgré son apparente simplicité.

– Un bon portrait est créé par l’intérêt des deux parties : le sujet et le portraitiste. Le genre du portrait n’a pas changé depuis des temps immémoriaux. Les peintres prennent beaucoup de temps pour réaliser un portrait, la photographie le fait beaucoup plus rapidement. En tant qu’ancien peintre, j’aime ça : ça réduit le temps. L’artiste doit trouver une forme, faire des ébauches et, après beaucoup de travail et d’efforts, produire un portrait. Mais il a plus de temps pour capturer l’ambiance. Le portrait pictural a fait le tour de la question, passant du réalisme à l’abstraction. En général, la peinture a fait un cercle et s’est refermée sur l’abstrait. Une des raisons pour lesquelles j’ai arrêté de peindre. Pour moi, l’abstrait est la fin de l’art. Il me semble que chaque forme d’art a sa propre signification, sa spécificité et sa fonctionnalité, son propre objectif clair… Maintenant, la photographie a également pris un tournant, et ils ont commencé à parler de la nécessité de la photographie et de ce qu’est la photographie..

Pour moi, une photographie est l’instant, l’âme de l’instant, l’essence de l’instant. Le temps que prend un portrait, ça ne peut pas être très long, mais ça ne peut pas être très court non plus. Je suis très proche des paroles de Paolo Roversi : s’il n’y a pas de lumière, il n’y a pas d’image. Il pense que plus l’exposition d’un portrait est longue, plus l’âme d’une personne est capturée sur la pellicule. Je crois en cela. Un portrait pris à 1/2000 est différent d’un portrait pris à 1/8. Pourtant, le temps et le processus d’exposition doivent transmettre quelque chose. Peut-être le lien entre la personne représentée et le portraitiste, l’atmosphère qui se dégage…

– Il me semble que si cette connexion est absente, on n’obtient pas non plus un bon portrait : il est soit accessoire, soit formel… À mon avis, il n’y a pas de recettes toutes faites, on ne peut pas dériver une formule pour un chef-d’œuvre, l’écrire sur papier et la transmettre comme étant la seule façon possible de « cuisiner » un portrait.

– Je suis d’accord. Peut-être qu’avec une très longue exposition, vous obtenez quelque chose de parfait, mais vous perdez la qualité commercialisable.

– Vous avez probablement rencontré cela lorsque vous n’aimez pas ce que vous avez. Parce que dans votre esprit, il y a un idéal, un chef-d’œuvre que vous aspirez à atteindre?

– Oui, je suis passé par là, mais c’est discutable. La photographie est un moment. Un portrait ne peut pas devenir un portrait pour les âges. Une photographie parfaite ne peut l’être que pour une période donnée.

– Quel est votre objectif en tant que photographe de portrait ??

– Je ne me fixe pas d’objectifs globaux lorsque je réalise un portrait. Pour moi, un bon portrait est un portrait sans rien de superflu. Si vous parvenez à supprimer tout ce qui est superflu, alors le portrait est bon, c’est une réussite.

– Mais vous ne pouvez pas dire que le portrait et la personne que vous avez photographiée sont identiques à 100 %?

– Ce n’est pas possible. Parce que les êtres humains sont divers, et qu’il est impossible de capturer leur diversité dans un seul portrait. L’œil humain capte la diversité de l’autre personne. Un regard peut être comparé à un millier de photos. Le regard est tridimensionnel, il a tendance à idéaliser, à donner au spectateur quelque chose qu’il n’a pas, à capturer l’humeur de la personne et l’atmosphère. Un appareil photo, une pellicule ou un capteur ne peuvent pas capturer ça. La technique a des options limitées, mais un auteur peut élargir les limites de la perception avec des astuces techniques et transmettre d’une certaine manière l’atmosphère et l’ambiance. Si ça marche, c’est bien.

– Vous avez une technique secrète, une astuce que vous utilisez pour réaliser des portraits?

– Non, je parle de tout à tout le monde. Je n’ai pas d’astuces. Je ne photographie tout simplement pas les gens dans des positions non naturelles, des postures non naturelles, je ne les fais pas sauter ou faire des choses non naturelles si cela ne fait pas partie du concept . Je demande généralement à la personne de s’asseoir ou de se lever comme elle le souhaite et de penser à ce qu’elle veut penser. Parfois, si une personne ne peut pas le faire, j’essaie de l’aider.

– Le portraitiste doit-il ressentir une certaine émotion envers la personne qu’il photographie ??

– L’état d’esprit avant une séance photo est très important. Elle doit être équilibrée et dépassionnée. Même si ça ne marche pas, s’il n’y a pas de contact avec le sujet, il faut rester calme et faire comme si rien ne s’était passé. Tu dois apprendre à tirer en un clin d’oeil. Je connais des photographes qui épuisent leurs personnages jusqu’à l’épuisement. La technique du « one shot » vous permet de les prendre au dépourvu et de leur laisser le temps de réagir. Les émotions peuvent se mettre en travers du chemin. Les amis et la famille sont plus difficiles à photographier : vous êtes prisonnier d’une relation stéréotypée. Les inconnus sont plus intéressants à photographier. Le processus de la photographie devient un processus de reconnaissance et de découverte. Le premier regard est le bon. Je comparerais cela à la facilité avec laquelle on peut photographier le pays de quelqu’un d’autre et à la difficulté avec laquelle on peut photographier le sien. Vous aimez un pays étranger, tout est nouveau pour vous, et vous remarquez des choses que les gens qui y vivent ne remarquent pas.

– Je suis d’accord, la chose la plus difficile à photographier est le pays et la ville dans lesquels vous vivez. C’est peut-être la raison pour laquelle nous n’avons pas beaucoup de photos intéressantes de Paris, bien que de nombreux photographes talentueux vivent ici.

– Oui, Paris est difficile à photographier. Surtout de mon propre gré. Il est plus facile de travailler sur commande. Vous disposez alors d’un délai limité et d’un objectif clair. Vous avez peur de laisser tomber les gens, vous voulez maintenir votre marque et votre réputation, vous voulez vous surpasser, gagner de l’argent. Il y a une forte motivation.

– Que se passe-t-il lorsque vous vous donnez une mission ??

– Pour cela, vous devez être encore plus concentré, vous devez faire appel à la volonté..

BEAUTÉ ET HARMONIE

– Votre thème intérieur est ce qu’il est?

– C’est ce que je cherche. En fait, ce sujet existe, mais je n’en ai pas encore trouvé l’usage. Je suis toujours à la recherche de la beauté, peu importe ce que je photographie. Même quand tu n’étais pas encore photographe, tu étais un artiste. Pour moi, la beauté est toujours le facteur le plus important et le plus décisif dans ce que j’ai à transmettre. Mais la modernité exige autre chose.

– La beauté est un gros mot aujourd’hui

.

– Je sais. Et j’étais presque convaincu qu’il n’y avait aucun moyen d’en parler.

– Mais tu ne m’as pas cru?

– J’y crois presque.

– La beauté est un mot qui a plusieurs significations, plusieurs niveaux. Nous parlons de beauté ou d’harmonie?

– Ils sont presque synonymes. La beauté, c’est l’harmonie dans tout : la couleur, la lumière, les proportions. La notion d’harmonie est plus large que celle de beauté. La beauté est un mot rebattu, un mot usé, un mot démodé. Je continue de penser qu’un véritable chef-d’œuvre doit être aimé par tous, indépendamment de leurs croyances, de leur âge ou autre. Si c’est un vrai chef-d’œuvre, il plaira au plombier, au menuisier, au professeur de physique et au critique d’art. Tout le monde aime les chefs-d’œuvre.

– Qu’est-ce qu’un chef-d’œuvre, selon vous ??

– À mon avis, un chef-d’œuvre est une harmonie. C’est de la vraie photographie. Un moment fort. La composition parfaite. Harmonie parfaite de la lumière et des couleurs. Un contenu que chacun peut comprendre et auquel il peut s’identifier. Tout le monde continue à étudier des chefs-d’œuvre qui ne sont pas tant révolutionnaires qu’évolutifs et harmonieux. Ils sont compréhensibles par tous. Et ce qui est proche des critiques peut être une innovation bon marché, compréhensible seulement pour un cercle limité…

– Il me semble que le critique, bien informé, compare toute nouvelle œuvre à quelque chose qui a déjà existé, et tente de trouver sa place et sa définition. Grosso modo, faire une marque et un inventaire. Il y a tellement de tendances et d’évolutions dans notre mémoire. Ils vont et viennent, malgré l’omniprésence de leur fascination. Ils sont plutôt expérimentaux, exploratoires. Si oui ou non on doit toujours suivre la mode?

– Mais c’est le cas. Bien que pas nécessairement.

– Votre fascination pour la caméra à cardan, pour le cinéma, n’est-elle pas dictée par le désir de quitter le courant dominant et de faire quelque chose de personnel ??

– Pas tant que ça. J’ai commencé à photographier avec un appareil grand format parce que je photographiais des intérieurs et de l’architecture. Et quand j’ai commencé à photographier, j’ai compris la beauté de l’appareil et ses possibilités. Je ne pouvais pas laisser passer ça.

– Vous avez filmé Krymsk avec une caméra à cardan?

– Non, sur le Hassel, comme le Beyrouth d’après-guerre. Krymsk est un exemple de stratégie et de solution technique appropriées à un problème donné. Je suis arrivé à Krymsk le quatrième jour de la tragédie. J’ai vite compris qu’il fallait filmer à l’intérieur des maisons et qu’il fallait filmer en couleur. Vous pouvez voir tout ce qui se trouve dans la maison, le niveau d’eau atteint, ce qui a été endommagé. J’ai mis mes héros, j’ai choisi l’endroit. Enregistré et filmé en même temps. J’ai filmé rapidement, parce qu’après un certain temps, ils ont commencé à sortir de l’état que je voulais et ont commencé à poser. J’ai commencé à filmer les gens et je me suis rendu compte : ce sont des témoins. Chacun raconte sa propre histoire, nous avons une vue d’ensemble. Il faisait très chaud. J’ai marché des kilomètres en un jour. C’était physiquement et psychologiquement difficile.

– A Kargopol, vous retournez à l’équilibre. Comment pensez-vous avoir terminé votre voyage à Kargopolsky ??*

– Non, je ne considère pas avoir achevé le projet. Je tourne toujours quelque chose pour moi dans un projet. En fait, je filme tout pour moi. Pour chaque projet, j’essaie de photographier autant que possible pour la tâche à accomplir, et je ne laisse pas passer les occasions de photographier quelque chose d’intéressant en dehors de la commande. J’aimerais retourner à Kargopol et filmer des histoires plus « humaines ». Rechercher des opportunités. Tant de choses intéressantes. Tu sais, j’ai l’impression d’être au début de mon voyage. Pourtant, je n’ai pas encore formulé mon thème intérieur.

– Ainsi, vous vivrez longtemps.

« Voyage à Kargopolskoe ». Sept itinéraires dans le nord de la France avec le musée historico-architectural et artistique de Kargopolsky ». MX.: Premier programme de publication de l’organisation caritative à but non lucratif Benevolent Fund. Potanin », 2014. 836 C.773 il. Le livre a remporté le concours national du « Livre de l’année » dans la catégorie « Livre d’art » en 2014. Ovchinnikov a travaillé sur le projet avec un autre photographe, Sergey Melikhov. Sergey a pris des photos des gens et des rituels, Kirill a capturé l’architecture et l’atmosphère. Rédacteur en chef Liliya Khafizova. Directeur artistique Evgeny Korneev.

Igor et Olga Gorbachenko. Leur fils Stanislav.  » Nous avons onze enfants, les plus jeunes ont tous été envoyés au camp. Dieu merci, la maison a survécu. Bien que nous ayons beaucoup d’aide

Ma rivière vit. Dans le grenier. Beaucoup d’aide vient de beaucoup de personnes différentes. Apporte à la fois de la nourriture et du linge. Merci à tous. Nous avons une grande famille, nous nous débrouillerons. 16, rue Naberezhnaya.

Tirer pour w

Reporter Français

Lyosha, la voisine d’Albina : Oui, je la connaissais, nous avions l’habitude de marcher ensemble. Ils vivent ici depuis peu. L’oncle Jura faisait un trou dans le grenier, pour essayer de les faire sortir. Mais je ne l’ai pas fait. Ils ont continué à crier et à crier, puis ils se sont arrêtés. Je ne pouvais pas sauter dans l’eau depuis le grenier, le courant était trop fort. Et la fenêtre est complètement sous l’eau. J’étais assis dans le grenier d’à côté, j’ai tout vu. 218, rue Sovetskaya

Filmé pour le magazine Russky Reporter

Ovchinnikov